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PAST MASTERS VOL. II (The Beatles, 1988)

Artista: The Beatles (A)

Fecha de Grabación: 1962-1970

Fecha de Lanzamiento: 7 de Marzo de 1988, UK

Discográfica: Apple

Productor: George Martin

Calificación: 10 (MUST HAVE)

Era: La Psicodelia (1966-1969)

Subgénero: La Psicodelia

Mejor Canción: Hey Jude o Revolution, o Don’t Let Me Down, o cualquiera de las de rojo!


Canciones: 1) Day Tripper; 2) We Can Work It Out; 3) Paperback Writer; 4) Rain; 5) Lady Madonna; 6) The Inner Light; 7) Hey Jude; 8) Revolution; 9) Get Back; 10) Don't Let Me Down; 11) The Ballad Of John And Yoko; 12) Old Brown Shoe; 13) Across The Universe; 14) Let It Be; 15) You Know My Name (Look Up The Number).


Porqué reseño este par de discos y no otros compilatorios, como el Red and Blue Albums de 1973? La cuestión es que los álbums Rojo y Azul de los Beatles, son acetatos dobles que compilaban 54 de los mejores temas de la discografía, la mayoría de los cuales ya habían visto la luz en discos de estudio. Sin duda, estos LP´s son excelentes recopilatorios, pero aún dejaban piezas sueltas: singles y lados B que por mucho tiempo fueron imposibles de encontrar si no era en su formato original. En 1987, Apple relanzó toda la discografía de los Beatles en CD, y este problema se hizo evidente. De esta forma, en 1988, y en lo que creo, fue el mejor acierto musical de Apple tras la disolución del grupo, se lanzó el Past Masters Vol I, que abarca desde 1962 a 1965, y el Vol II que abarca desde Dic del ’65 hasta 1970. Aunque considerado generalmente como un álbum doble, se vendió como 2 discos separados, con las tapas en colores inversos.

Los discos, pues, no son meros “compilatorios”, sino que abarcaban los temas que nunca estuvieron en LP´s, y que básicamente no podías tener si no habías comprado dichos singles, durante la época activa del cuarteto. Para esto, se consideró el relanzamiento de la discografía un año antes, en el que el Magical Mystery Tour dejó por fin de der un EP para completarse con los temas de la película y singles del a época, conformando así el soberbio y psicodélico LP que siempre debió ser, por lo que no hay temas de este periodo, ahora que aparecían en álbum. El hecho de que estén acomodados en orden cronológico (igual que los Red y Blue), nos da además la oportunidad de ver su evolución musical con el paso del tiempo. Algo que un chico de 12 años, que no entendía cómo el grupo que tocaba “Please Plase Me” y “Blue Jay Way” podía ser el mismo, terminaría agradeciendo enormidades.

El VOL II mantiene la misma dinámica del VOL I, pero con un mood distinto. Para empezar, tenemos el primer single Doble A que marcó época, en el que no se podía decir que ninguna de las dos canciones fuera inferior a otra y por ello, técnicamente, no hubo Lado B. Hablamos de “Day Tripper” y “We Can Work It Out” – que marcan la evolución de la etapa temprana a la etapa madura de los Beatles. Tenemos otros temas icónicos como “Paperback Writter” y su lado B, “Rain” completando esta etapa. La era “Post Peppers” está representada apenas por un par de temas, “Lady Madonna” y “The Inner Light”, que son relativamente débiles respecto al espectacular periodo creativo que vivía la banda, pero justificado por el hecho ya mencionado de que el Magical Mystery Tour por fin se completó como LP un año antes. El disco retoma un gran nivel con “Hey Jude” y “Revolution”, que perfectamente pudo ser otro Doble A, y que sería el single de mayor éxito del cuarteto a nivel mundial con justificada razón. “Don´t Let Me Down”, “Old Brown Shoe” y “The Ballad of John & Yoko” cierran los temas inéditos del ocaso de la banda. Pero tenemos además algunas versiones alternas de temas ya conocidos, como “Get Back”, “Across The Universe” y “Let It Be”, editadas en single en versiones distintas a las del álbum. “You Know My Name”, lado B del single Let It Be, es la única pieza que desentona en el VOL II, al ser uno de esos jams/bromas de John cuyo mayor mérito es tener a Brian Jones de los Stones tocando el sax.

El Mood del segundo disco es distinto porque ya no se da esa sensación de continuidad del disco I, sino que podemos apreciar de manera más marcada las distintas etapas de la banda. También hay temas ligeramente promedio, pero en general, el Vol II suena más espectacular por el gran nivel que habían alcanzado, y es mucho más variado en cuanto a géneros. Cierto, pierde un poco en cuanto a cohesión, pero en general muestra a la banda en plena forma, y termina convirtiéndose en uno de los discos esenciales del cuarteto. Por qué inicia en 1965? Bueno, se supone que éste disco cubre la etapa de madurez de la banda, y “Day Tripper/We Can Work It Wout” fueron grabados en las sesiones del Rubber Soul, que se puede considerar transicional, pero ya un disco maduro. Y en segundo, supongo porque hubiera sido cargarle ya demasiadas canciones al Vol I.



Arrancamos con ese monumental riff de “Day Tripper”, y aquí debo coincidir con Starostin en que, no siendo una banda que se preocupara demasiado por riffs, éste es quizá el mejor que hicieron, el más representativo y covereado por infinidad de Guitar Heros, empezando por Hendrix, ya fuera la canción completa, o la parte del riff en otras canciones. El tema es de mayormente de John, aunque Paul colaboró con algunas líneas. De hecho, es Paul quien canta los primeros versos, de manera gritada, quizá porque estaban demasiado altos para Lennon? John hace armonías y George se incorpora para magistral puente. Aquí hay que señalar que el riff es complejo, y Paul lo espejea con el bajo mientras canta, algo de un endiablado grado de dificultad. John toma el lead vocal del estribillo, cantando en falsette, y hacen un falso final, además de un “ahhh Ahhhh AHHH” al estilo de “Twist & Shout” antes de regresar al riff. La letra nunca fue aclarada del todo. Se supone que hace referencia a los hippies de fin de semana de San Francisco. John y George acababan de probar el LSD y esta es quizá una de las primeras referencias a las drogas, aunque nunca lo confirmó John. La canción es simplemente espectacular, y aunque fue grabada en las sesiones del Rubber Soul, 3 días después de “Drive My Car”, de inmediato se dieron cuenta que sería un single.


“We Can Work It Out”, aparecería junto a “Day Tripper”, en un inédito Doble A. La canción es mayormente de Paul, pero John escribió la parte del puente, por lo que es de esas pocas verdaderas colaboraciones 50/50, y cada quien canta su parte, aunque la idea inicial surgió de Paul. La letra es personal, y habla sobre los problemas que enfrentaba con Jane Asher, quien se metió a la Compañía Old Vic de Teatro en 1965, y eso causó conflicto con Paul porque se verían aún menos. Los versos de McCartney están llenos de optimismo, y contrastan con los de John, “Life is very short, and there's no time, For fussing and fighting, my friend”, con una nota más amarga, y musicalmente en tonos menores, descendientes y en desaceleración. John es quien toca el armonio, dándole un ligero toque de Chanson Francaise, y hace además la guitarra acústica. George simplemente tocó el pandero aquí. Lennon quería que “Day Tripper” fuera el Lado A, pero el resto veía más potencial comercial a “We Can Work It Out”. Al final, se lanzaría como Doble A, pero el tema de Paul llegaría más alto en la radio.


Entramos ya a 1966 con “Paperback Writter” de Paul. La compuso porque una tía suya lo criticó por hacer puras canciones de amor y le sugirió que escribirá de otros temas. Se quedó con la idea, y esa tarde, en el estudio, vio a Ringo leyendo una “Paperback”, o novela de tapa blanda barata. Así, hizo la letra desde la perspectiva de un escritor que hace una carta a una editorial rogando por que le den una oportunidad para ser publicado. El tema, además, muestra la etapa de competencia que tenían con los Beach Boys. Las voces están en overdubs, intentando hacer armonías más complejas como los californianos, y John además pidió que subieran el sonido del bajo, en el que por cierto, Paul comienza a hacer su despliegue de “bajeo saltarín”, con líneas cada vez más complejas. Las 4 cuerdas, pues, tienen un sonido mucho más dominante. La canción se supone que es cómica, es una sátira a los que deseaban desesperadamente ser escritores, como Edward Lear del Daily Mirror, de quien toman el nombre para el narrador de la canción. John y George no paraban de reír y bromear durante las sesiones del 13 y 14 de Abril del ’66. En la segunda estrofa, cerca del minuto, si ponen atención, notarán que cantan “”Frére Jacques”, que es una canción tradicional francesa, y entran tarde para la tercera, al 1:21. Quizá decidieron dejar este error, uno de los más evidentes en su discografía, por el aire desenfadado del tema. Esta sería la última canción que tocaron en su último concierto en USA.


Su lado B fue “Rain”, y si me lo preguntan, debió ser al revés. Quizá no quisieron arriesgar demasiado por el tono experimental de “Rain”, pero lo cierto es que es una joya que daba inicio formalmente al periodo psicodélico de la banda. Fue grabado al inicio de las sesiones del Revolver, pero el single se lanzó 2 meses antes, dando una muestra del sonido al que había girado la banda. Aunque la estructura es muy simple, con arpegios brillantes a cargo de George (con una SG que estrenó), el tema en sí es bastante complejo, y muestra también la idea de los Beatles y Martin de usar el estudio de grabación como un instrumento más. La línea de bajo de Paul es monumental, y afortunadamente, de nuevo el sonido lo hace sobresalir, brincando espectacularmente entre dos tonos. Ringo suena brutal con los riffs, sobre todo cuando relanza la canción tras los estribillos, recorriendo toda la batería. Él diría que este es su mejor trabajo con los Beatles. La melodía es hipnótica, lenta pero brillante, y George y Paul hacen una gran labor en los coros. El estribillo es magnífico, alargando ese “RaiiIIIiiiIIn”, que queda como en suspenso, hasta que Ringo entra de nuevo y rematan con el “I don’t mind”. Por cierto, la letra de John surgió en Melbourne. Cuando aterrizaron en Australia para finalizar el tour mundial, no dejaba de llover a cántaros, complicándoles la logística y los conciertos. John diría que nunca había visto llover así en su vida, por lo que es una crítica a los londinenses que se quejaban del clima británico. Sin embargo, evidentemente tiene también matices psicodélicos. Para estas alturas él y George ya estaban clavados en el LSD, y las notas tratan de dar ese tono fluorescente. La parte de las voces al revés, fue un total accidente. Geoff Emerick, ingeniero de sonido, estaba trabajando con las pistas para dar con el tono exacto que quería John para su voz, y por error puso el master vocal en reversa. Quedó fascinado con el efecto y los mostró a los chicos al día siguiente. Lo regrabaron más lento y en un tono más grave, para acelerarlo en reversa y dar con ese tono tan exótico. Se regrabarían con esta técnica las líneas “When the sun shines” el “Rain” del estribillo, y el “If the rain comes, they run and hide their heads”. Como curiosidad, los Beatles grabarían promocionales de estos temas, pero para el de “Rain”, grabado en el invernadero Cheswick House, donde se les puede ver con lentes y pelo ligeramente más largo, también se puede ver a Paul con un diente roto, resultado de un accidente que tuvo días antes y que fue el que desencadenaría el rumor de su muerte.


Brincamos hasta 1968 con “Lady Madonna”, un tema que McCartney escribió cuando estaba tratando de escribir un woogie boogie al estilo de Fats Domino. La canción es en base de piano, tocado de manera muy rítmico, muy al estilo de las cantinas del viejo oeste. Paul toca tanto el pianito como ese bajeo en escalas ascendentes y ascendentes, y canta de manera afectada, imitando al viejo Fats. La letra inició siendo una referencia a la Virgen María, pero fue avanzando hasta convertirse en un lúdico reconocimiento a las madres solteras que hacen malabares para sobrevivir y sacar adelante a sus hijos. En la rola, va recorriendo las vicisitudes que tiene que vivir durante cada día de la semana, pero se salta el Sábado. En una entrevista posterior, reconocería que no se dio cuenta hasta años después, y que quizá es el día que se toma la madre para ella misma. El tema es muy movido y melódico, con un solo del saxofonista Ronnie Scott, que se echa encima toda la coda. No hay tantas armonías, pero George y Paul hacen unos coritos muy curiosos para el puente, que a mi siempre me han parecido como cacareos, y me descomponen un poco el tema.


Su lado B fue “The Inner Light”, otra de las rolas hindús de George. Sin embargo, si me preguntan, de todas sus obras de instrumentación oriental (“Love You To” y “Within You, Without You”), creo que es el más logrado, con mejor melodía, el que más riqueza saca de los instrumentos exóticos, y el que tiene una letra más accesible. Ésta se basa en textos taoístas: “Arrive without, traveling, See all without looking, Do all without doing”, resumiendo la meditación transcendental. John y Paul se limitan a hacer coros de fondo. Harrison grabó la base en enero del ’68, en la India, cuando preparaba su Wonderwall Music, con un montón de músicos hindús y con instrumentos que ni siquiera intentaré nombrar. En Febrero se agregaron las voces de John y Paul en Abbey Road antes de que el grupo entero viajara a Rishikesh. Como nota curiosa, este single refleja esa transición de los sonidos psicodélicos de 1967 en el Lado B, a un rock más de raíz, que comenzaría a dominar el ’68 en el lado A, y que de alguna forma, presagiaba el sonido del White Album, tras su regreso de la India.


Qué se puede decir de “Hey Jude” que no se haya dicho ya? Un tema monumental de Paul, por su emotividad y estructura, que se ha encargado de ir encumbrando como un himno al colocarla como base inquebrantable de sus conciertos. Inicia con la voz de Paul, cantando el título un instante antes de que entre el piano para la primera vuelta. Luego entra el pandero y una guitarra rítmica para la segunda estrofa, mientras John y George hacen esos celestiales coros al fondo. Ringo recorre todos sus tums antes de entrar al puente, ya con el bajo sobrepuesto. La canción es una joya, con una melodía exquisita, pegajosa, y cargada de ganchos. Al final de cada puente, Paul canta unos “Nara ná na´s”, junto con unas notas de piano para introducir la siguiente estrofa. La letra, ya todos sabemos que está dedicada a Julian, hijo de John y Cynthia, que estaba sufriendo dl divorcio de sus padres. Paul iba a casa de Cynthia a verlos, y se le ocurrió la canción a manera de consuelo, por lo que originalmente se llamaría “Hey Jules”, pero finalmente se decidió por el título final para no sonar tan obvio y porque sonaba mejor. Julian se enteraría que la canción era para él años después, y reconocería con emoción que recuerda más momentos jugando con Paul que con su padre. “Se preocupaba mucho por nosotros, en esas fechas todo mundo nos dio la espalda. Recuerdo la tarde que me cantó la canción. Tengo más fotos con Paul que con mi padre…” La letra pues, es hacia otra persona, que pasa momentos difíciles por una ruptura, en el que le aconseja a superar el momento y levantarse: “Hey Jude, don’t take it bad, Take a sad song, and make it Better”. En la estructura de la canción, va repitiendo frases con ligeras variaciones, lo que la hace más memorable. John pensaría que estaba dedicada para él, sin saber por mucho tiempo que era para su hijo. También se llegó a decir que era para el mismo Paul, esto porque McCartney se lo dijo a Lennon, quizá porque temía revelarle la verdadera naturaleza del tema, por lo que John diría en entrevistas que Paul intentaba aún superar lo de Jane Asher. Esto es un poco bobo considerando que ya iba muy en serio con Linda Eastman. El caso es que resultó ser una canción increíble, y, como se ha visto, universal. Sirve de consuelo y motivación en cualquier momento para cualquiera, y el nombre suena como “you”, por lo que da la impresión de estar dirigida a cualquiera. El instrumento principal es el mismo Paul. Es un recorrido de poco más de 7 minutos por todo su rango vocal, desde ese inicio confesional y elegante, volviéndose más emocional conforme avanza ese lento y majestuoso crescendo, hasta terminar en la locura total durante la coda, capaz de hacer temblar estadios enteros hoy en día. La misma, es una cosa simplísima: “Naaaa nara narananá, narananá, Hey Juuuude”, con la orquesta incorporándose, junto a los demás Beatles, y un coro de más de 100 personas, convirtiendo ese simple mantra, en un poderoso himno, casi del mismo nivel del “All you need is love”. Es una canción que debe estar sí o sí en el top ten de la banda, y que muchas veces ocupó incluso el primer puesto en mi lista. Duraría 9 semanas encabezando el Top Ten a ambos lados del Atlántico, sería la canción más larga en su momento en ocupar dicho puesto, y cortaría una sequía de varios meses en que los Beatles no habían logrado encabezar las listas. Como nota personal, es la primer canción de los Beatles que aprendió a cantar mi hijo, apenas a los 2 años. Obviamente no entendía lo que decía, pero balbuceaba claramente la primer estrofa, y es uno de los más gratos recuerdos que tengo.


Lo complementa “Revolution” de John, en lo que pudo ser otro Doble A sin problema. Ya habíamos escuchado la versión del White Album, mucho más orgánica y acústica, en un formato bluesero más lento y con metales, que le restaba la intensidad a la letra. Aquí John mantiene la misma letra, pero haciendo caso a George Martin de que el tema era muy lento para un single, lo regrabaron entre el 10 y el 12 de Julio del ’68. Esta versión es un pateatraseros en comparación, manteniendo la misma letra transgresora, pero con un mood más incisivo, intoxicante y acorde. John le carga un mundo de fuzz, con un sonido cortante y potente desde la primer nota, que termina con un furioso grito. Pareciera que pensó “Decían que era muy suave, pues la voy a volver endemoniadamente pesada”, sobrecargando el canal. La letra, bueno, es quizá la más política que publicaría con los Beatles. Brian Epstein les tenía prohibido hablar de temas políticos tras los incidentes de 1966, pero después de su muerte, y ante el turbulento 1968, John no se pudo quedar callado. La letra es genial, y contrario a lo que pudiera sugerir el título, no alienta a un levantamiento social, sino a pensar en una verdadera Revolución, pacífica, más pensada. Nicky Hopkins colaboraría con un exquisito solo de piano al 1:55, donde matizan atinadamente los jadeos que tanto desentonan en la versión del LP. Además John Suena verdaderamente encabronado, sobre todo en los “Alright’s” de la coda. Después se retractaría de la línea sobre Mao, pero en sí la pieza es enorme, con una gran potencia instrumental, y reflejando muy bien el lado político de Lennon.


“Get Back” es otro de los temas del Vol II que ya habíamos escuchado en LP, pero que aquí aparece en una versión distinta. Mientras que con los Revolutions las diferencias son abismales y básicamente solo se identifican por la letra, aquí los cambios son mucho más sutiles. La versión es muy parecida a la de estudio, pero aquí tiene mucho más eco y tras el falso final al 2:30, se escucha a Paul recitando “Get back Loretta, Your mommy's waiting for you, Wearing her high-heel shoes, And her low-neck sweater, Get back home, Loretta”. John toca la guitarra líder y el requinto, mientras que George hace sólo la rítmica. En la versión del Let It Be, Phil Spector haría una mezcla con la cinta máster (grabada el 28 de Enero de 1969) que es este single, y la toma del 27 de Enero, también de estudio, más el comentario de John al finalizar la toma de la azotea, lo que da la impresión que es una versión distinta, aunque es básicamente la misma. Si me preguntan, prefiero ésta versión del single, producido por Martin.


El Lado B es “Don’t Let Me Down”, y en mi opinión, de nuevo fallaron en el orden. Mientras que en el VOL I casi todos los Lados A son de John, en el VOL II, la mayoría son de Paul, no siempre atinadamente. “Don’t Let Me Down” es una de las mejores y más sentidas canciones de todo el catálogo del cuarteto. Lennon hace una de sus más emotivas interpretaciones, rompiéndose el alma y los pulmones durante los estribillos, y cantando de manera casi confesional durante los versos. Paul luce espectacular, siendo la figura principal con ese bajo saltarín y preciso que hace muy difícil imitarlo. Billy Preston también se lleva las palmas con un teclado sublime, que añade toques elegantes y dan mucha personalidad. Mientras que George, hace unas estupendas figuras con las escalas descendientes en contrapunto en los versos (“ooh she do me, yes she does”), además de esa épica intro, que te hace vibrar en cuanto la escuchas. La letra es increíble, con John acercándose al nivel del Plastic Ono. Paul diría que Lennon básicamente estaba mostrando un nivel de vulnerabilidad inusual, y le rogaba a Yoko que no lo fuera a decepcionar como creía que habían hecho todos los que lo querían. Aquí muestra vestigios del “Primal Scream” que usaría en su primer disco solista (serio). Esta toma fue grabada el 28 de Enero del ’69, y la tocarían en el mítico concierto de la azotea dos días después.


“The Ballad Of John And Yoko” fue escrita por… Bueno, tengo que decirlo? Lo curioso de este tema es que entre John y Paul tocan todos los instrumentos. Fue grabada el 14 de Abril del ’69, cuando George estaba de vacaciones, y Ringo estaba rodando la película The Magic Christian. John la tocó en casa de Paul esa mañana y decidieron que no debían esperar por los demás para grabarla esa misma tarde. Lennon toca las guitarras, con todo y requinto, más las percusiones. McCartney toca el bajo, batería, maracas, piano y hace armonías. Paul sabía que la gente estaba atacando a John por su relación con Yoko, y todas las ondas de encamarse y las protestas y eso, por lo que insistió en que era un gran tema y le dio todo su apoyo, en un intento de compañerismo. La canción narra de hecho, toda la historia de su relación con Yoko, condenada por la opinión pública desde su origen. Es muy personal, y cuenta detalles de cómo Peter Brown, otro de los personajes del círculo interno de los Beatles, desde el lado legal, aunque no de tanta confianza como Nei Aspinall o Mal Evans, le recomendó casarse en Gibraltar, para evitar el pandemónium que había sido la boda de Paul con Linda unas semanas antes. Y luego los tristemente famosos Bed Ins en Amsterdam, y el Bagism, y las entrevistas en plena luna de miel, y la grabación de “Give Peace a Chance” en la cama y todo eso. Lo cierto es que el estribillo es muy duro, pero reflejaba cómo se sentía John:


“Christ you know it ain't easy

You know how hard it can be

The way things are going

They're going to crucify me”


La canción tiene buen ritmo, no hay duda, pero se vuelve algo repetitiva, y le faltan recursos que hubiera aportado el otro par. Por cierto, Harrison y Starr no se lo tomaron nada bien, pero a fin de cuentas, Paul los convenció de lanzarlo como lado A, porque John tenía rato quejándose de que Macca los acaparaba todos de un tiempo acá. El lanzamiento lo apaciguó un poco y cesó en sus amagos de dejar la banda, al menos un tiempo. Lo más extraño de todo, es que el single llegó al #1 en Inglaterra, siendo el último sencillo del grupo en lograrlo.


Su lado B es “Old Brown Shoe”, una canción de George, que a mi gusto, es superior al A, lo cual habla muy bien de Harrison en todos sentidos. George la comenzó a escribir en piano, haciendo la secuencia de acordes, aunque no dominaba muy bien el instrumento. La canción tiene un ritmazo, y no hay un instrumento que domine. George toca ese estupendo slide y el órgano Hammond… y oh sorpresa! es él mismo quien hace el magistral bajeo. Tiempo después diría que hizo el bajeo de una manera lunática, pero la verdad es que está increíble, y a una velocidad tremenda, sentando la base de toda la canción. Paul tocó el piano, que sobresale al inicio. Ringo hace la batería, y John quedaría relegado a respaldo vocal, quizá en represalia por “The Ballad”. El solo al 1:35 es de enorme manufactura, corto, pero comparado por muchos con el estilo de Clapton en la época. La canción fue grabada durante las sesiones del Abbey Road, pero John diría después que él insistió en utilizarlo como lado B del single. Una de las canciones más subestimadas del catálogo del cuarteto.


Sigue “Across The Universe”, que conocemos más en su versión del Let It Be. John escribió la canción a inicios de 1968, después de discutir con Cynthia. Estaba enojado en su cama, y se le apareció la frase “Pools of sorrow, waves of joy” que se le quedó dando vueltas en la cabeza. Se fue al sillón de mimbre donde se crearon varias de las mejores canciones de la historia y decidió escribir una canción filosófica, en lugar de una de ira. Sin embargo, el “Nothing’s gonna change my world” era una especie de cachetada en guante blanco a su aún esposa. Serían el último tema en grabar, entre el 4 y 8 de Febrero de 1968, antes de enfrascarse en su aventura por la India. La versión final no le convenció, y se descartó para el White Album, por lo que se enlató. En 1969, la rola fue donada para un disco para recaudar fondos para el World Wildlife Fund. A esta versión, con cítara y grabaciones al revés, se le añadieron sonidos de pájaros, y se aceleró un poco, aumentándola medio tono. La versión del álbum, producida por Spector, usaría los masters originales, le agregaría un coro y orquesta. John se mostraría descontento con ambas versiones por los cambios hechos sin su consentimiento. En lo personal, y como excepción, creo que la versión del disco es superior, con todo y los coros de Spector. Esta versión, pues, ni siquiera salió como single, sino en el álbum del WWF, siendo una verdadera rareza. Como dato, en 2008, la NASA transmitió “Across The Universe” hacia la estrella Polaris. Lo que no sé es cuál de las dos versiones emitieron.


“Let It Be” fue el último sencillo en ser lanzado por los Beatles, como punta de lanza del LP del mismo nombre, el 6 de Marzo de 1970. Ya todos sabemos que Paul la escribió sobre su madre, y no sobre la virgen. No ahondaré en esos detalles. Ésta versión fue grabada el 6 de Marzo del ’70, como parte de las sesiones del Get Back. Producida por Martin, no difiere demasiado a la del álbum, ya que también incluye orquestas, aunque a un volumen menor, y el teclado de Billy Preston. Sin embargo, aquí tenemos la única colaboración de Linda McCartney en una canción de los Beatles. Y claro, la mayor diferencia es el solo de George, que pierde mucho respecto a ese orgásmico requinto en el LP. Lo que casi no se sabe, es que la idea original era poner en esta versión ambos solos, sonando a un tiempo. Por ello Harrison parece no esforzarse demasiado aquí, e inicia en tonos más graves, para crear contraste, pero perdiendo fuerza emocional. Parece que el resultado final al sobreponerlos no fue lo que esperaba, y quedó el solo grabado el día 6.


El disco cierra de manera floja con “You Know My Name (Look Up The Number)”, lado B de “Let It Be”, y quizá el tema más raro en aparecer como single de los Beatles. La rola se había grabado desde 1967, tras la grabación del Sgt. Peppers, cuando la banda se reunía a palomear en estudio sin presión de algún disco. John llegó un día con una idea para una canción. Cuando Paul le preguntó por la letra, le mostró simplemente un papel que decía “You Know My Name (Look Up The Number)”, tomado del slogan del directorio telefónico de Londres "You have their name? Look up their number". Así que la canción es un jam de más de 4 minutos repitiendo esta frase de las formas más variadas. Brian Jones estaba de visita ese día y le preguntaron si quería tocar algo. Por esas fechas estaba tratando de dominar el sax, por lo que vio uno en una esquina y no dudó, haciendo la parte más destacable de la canción. Originalmente se iba a lanzar como single con la aún más bizarra “What’s The New Mary Jane?” pero se desechó la idea (gracias al cielo). La canción se archivó, hasta que, teniendo que lanzar “Let It Be” como single y siendo ya imposible reunir a los 4 en estudio en 1970, la usaron como último recurso. Hay quienes dicen que es un tema Avant Garde, que muestra influencia de Frank Zappa… la verdad es que es un mero jam, una broma lennoniana que quizá ni siquiera estaba considerada a ser publicada, y como tal desentona con el nivel de las demás canciones. Pero insisto, el mérito de los Past Masters no es ser perfectos, sino mostrarnos esas versiones que de otro modo, jamás hubiéramos escuchado.



En fin. En conjunto, el disco es un increíble repaso por la etapa de madurez del grupo, con algunos de sus más emblemáticos temas, y donde incluso los más promedio, suenan endiabladamente sólidos. Aunque igual que el Vol I, tenemos temas ya conocidos de los LP’s, las versiones difieren lo suficiente para volverlas, al menos, interesantes. Aquí el mood es distinto, no tan cohesivo como el primer disco, sino que podemos ver de forma más notoria las distintas etapas por las que iban atravesando, desde el exquisito pop Rubber Soul, la psicodelia del Revolver, brincando a la transición del Sgt Peppers al White Album, los temas que tocarían en la Azotea, y el subsiguiente resquebrajamiento. Es pues un disco entrañable, un must have para los fans de hueso colorado. Los discos, ya como unidad, son quizá la mejor manera de empezar a descubrir a los Beatles, antes de sumergirse disco por disco, aunque claro, uno no puede predecir cómo será tocado por la magia de los Fab Four. Faltarían aún piezas indispensables, rarezas, tomas alternas, pero en general, es material que realmente no vio la luz y no estaba destinado a hacerlo. Los discos completan de gran manera las canciones que hacían falta en el catálogo básico de los Beatles. 7 años después, para los completistas, se lanzaría una colección con esas rarezas en los 3 enormes volúmenes llamados Anthologies, pero esas es ya otra historia…



Por Corvan

PAST MASTERS VOL. I (The Beatles, 1988)

Artista: The Beatles (A)

Fecha de Grabación: 1962-1970

Fecha de Lanzamiento: 7 de Marzo de 1988, UK

Discográfica: Apple

Productor: George Martin

Calificación: 8.5

Era: Rock & Roll II, Early Sixties (1960-1966)

Subgénero: La Invasión Inglesa

Mejor Canción: Diría que She Loves You, pero cualquiera de las de rojo!


Canciones: 1) Love Me Do; 2) From Me To You; 3) Thank You Girl; 4) She Loves You; 5) I'll Get You; 6) I Want To Hold Your Hand; 7) This Boy; 8) Komm Gib Mir Deine Hand; 9) Sie Liebt Dich; 10) Long Tall Sally; 11) I Call Your Name; 12) Slow Down; 13) Matchbox; 14) I Feel Fine; 15) She's A Woman; 16) Bad Boy; 17) Yes It Is; 18) I'm Down.


Para hablar de los Past Masters, debo remontarme a hablar de una persona de la que poco se sabe, pero que fue crucial para la historia del os Fab Four. Generalmente cuando se habla del quinto Beatle, nos referimos a George Martin, o en menor medida, a Brian Epstein; su respectiva labor con el grupo es indiscutible. Sin embargo, el puesto de “sexto Beatle”, sin duda, recae en Neil Aspinall. Quién es este tipo? Bueno, generalmente su labor está muy menospreciada y siempre estuvo a la sombra. Neil cursó la secundaria con Paul y George en el Liverpool Institute, era amigo de la infancia de ambos. Sin grandes dotes musicales (aunque alguna vez llegó a suplir a George en una presentación en vivo cuando Harrison estaba enfermo, ya en plena Beatlemanía), Neil fue el cerebro de las giras del cuarteto, incluso desde antes que apareciera Brian Epstein en escena. Para 1961, los Beatles, ya sin Stu, estaban tocando en el circuito nocturno de Liverpool en 2 o 3 lugares por noche, y necesitaban a alguien que les ayudara con la logística y el transporte. Básicamente, necesitaban a alguien con una van donde pudieran mover rápidamente todos los instrumentos para salir corriendo a su siguiente tocada, y resulta que el joven Neil tenía una vieja Commer. Neil empezaría cobrándoles 25 peniques por noche, pero terminaría convirtiéndose en su road manager de facto. Tiempo después llegaría Epstein, EMI, George Martin y la Beatlemanía. Aspinall sería quien se seguiría encargando de la logística de viajes cada vez más compleja. Mientras Brian cerraba contratos y fijaba rumbos para las cada vez más extensas giras, también iba volviéndose manager de más artistas. No se le puede reprochar que haya descuidado un instante a los Beatles, pero entre tanta actividad, las responsabilidades de Neil Aspinall fueron creciendo a nivel exponencial; él, Mal Evans, quien fungiría como encargado del equipo del grupo, y Derek Taylor, su director de prensa, serían cruciales dentro del círculo interno de la banda. Cuando murió Epstein, en 1967, se creó un vacío en la dirección del enorme monstruo que se había convertido el simple nombre de la banda. Al ya no hacer giras, Neil tomó de alguna forma la dirección del cuarteto de manera no oficial, simple y sencillamente porque no había nadie más que pudiera con el paquete. De tal forma, le pidieron a Neil que tomara la presidencia de Apple Corps cuando la formaron en Abril de 1968. Aspinall, que no se sentía capacitado para el puesto, aceptó de manera interina mientras encontraban a alguien mejor…

Neil Aspinall sería presidente de Apple Corps hasta el 2007, convirtiendo la marca The Beatles en una de las más reconocibles y redituables del planeta, asegurándose de mantener al grupo en un constante pináculo de fama y ventas a pesar de si disolución en 1970, encontrado la manera de lanzar productos para los fans, algunos con verdadero valor musical, algunos con simple valor comercial.

A qué se debe toda esta perorata sobre un tipo al que los biógrafos apenas mencionan? Es simple, si hay alguien a quien debemos agradecer que el legado Beatle haya crecido con el paso de los años, es a la gran estrategia de este tipo. Y de todos los productos Beatle lanzados tras la disolución de la banda, los Past Masters son quizá los de mayor valor musical y aporte al nombre del grupo.

En el VOL I tenemos singles de tremenda manufactura, que en mayor o menor medida, fueron los causantes de la Beatlemanía, y que no aparecieron en ningún disco. Eso es de reconocer, ya que los Beatles eran de las bandas que menos utilizaban singles de éxito para catapultar los LP’s, una medida algo tramposa que sí usaban la mayoría de las bandas de la época. Así, tenemos “From Me To You”, “She Loves You”, “I Want To Hold Your Hand”, pilares de su discografía que cualquiera que se considere fan, debe saberse al pie de la letra. Bueno, probablemente no lo haríamos sin los Past Masters. Y aquí tenemos el plus de versiones en alemán de “She Loves You”, “I Want To Hold Your Hand”, que nos muestran que no sólo fueron a Hamburgo a contagiarse de sífilis. Evidentemente estas versiones fueron lanzadas solo al mercado alemán en su momento, salvo ediciones en USA y Australia, que no vendieron mucho. No dejan de ser curiosidades, y de alguna forma, rellenos, pero se escuchan muy monos cantando “Sie Liebt Dich” y “Komm, Gib Mir Deine Hand”. Tenemos el EP “Long Tall Sally”, lanzado en 1964, y que además del tema titular, agrega “Slow Down”, “Matchbox” (cantada por Ringo) y “I Call Your Name”, único tema propio del EP. Y tenemos Lados B como “Thank You Girl”, “I’ll Get You”, y “Yes It Is”, que melódicamente son buenos, pero por algo fueron Lados B, y distan mucho de la calidad de un “She Loves You”. El Vol I pierde bastante fuerza con estas canciones y evitan que alcance una calificación perfecta, pero en su defensa, si no se hubieran incluido aquí, la colección no estaría completa. Aunque son temas más flojos, difícilmente se les puede considerar rellenos, aunque “Yes It Is” sí que está muy por debajo del estándar de los Beatles.

Otra cuestión con el VOL I es que recoge sobre todo rockanrolitos. No faltan las piezas más tendientes al pop, pero en general, los 18 temas son muy movidos, haciendo el disco muy dinámico, y dando una idea general de cómo sonaban en vivo (es un decir, ya sabemos que ni ellos mismos se escuchaban) durante su primer etapa, con un menor porcentaje de los temas pop que dominaban los LP’s. El disco nos deja con “Yes It Is” y “I’m Down”, lados B de “Ticket To Ride” y “Help!”, de mediados de 1965, justo antes del brinco a la psicodelia y el final de las giras.



El VOL I arranca con “Love Me Do”, el Génesis de los Beatles, la primer canción grabada en estudio por el cuarteto, y probablemente la primer composición de la dupla Lennon/McCartney. Es un tema sencillísimo, casi infantil, con básicamente 2 tonos armando la canción y otro par en el puente. John arranca con una pegadiza armónica descendiente que es el sello de la canción, y él y Paul armonizan durante los versos. McCartney la escribió a los 16 años, la composición es mayormente de él, pero John aportó con el puente, por lo que sería el primer tema de ambos. “Love Me Do” sería grabada y lanzada en 3 distintas ocasiones. La primera fue en la fallida audición en Decca, el 6 de Junio de 1962, aún con Pete Best en la batería, versión que se puede escuchar en el Anthology I. La segunda grabación es ésta, la primera grabación “formal” del grupo ya con EMI y George Martin, el 4 de Septiembre de 1962, ya con Ringo al banquillo, y que sería el primer single ever de la banda, que aparece en el Past Masters. La tercera fue una semana después, el 11 de Septiembre, con Andy White en la batería, y Ringo en los panderos, llevando el mismo tiempo que White en la tarola, siendo la forma más fácil de distinguirlas, ya que la batería es simple y prácticamente idéntica y ambas duran 2:20. Esa versión es la más conocida al ser lanzada en el LP Please Please Me. Como sea, el tema es tan simple e inocente que resulta encantador, y es una canción emblemática del arranque del grupo. Como dato, Epstein compraría él mismo una gran cantidad de copias para revenderlas en su tienda de música, y esto ayudaría a que el single alcanzara el número 17 de las listas. Sin esta astuta movida, quizá hoy no sabríamos nada de los Beatles y la historia musical hubiera sido muuuy distinta.


Sigue “From Me To You”, otra canción pivotal, y el primer sencillo que alcanzaría el #1 en el Reino Unido. Es mayormente de John, y curiosamente, sería la última en ser acreeditada como “McCartney/Lennon” para después cambiar el orden de los apellidos. Se supone que en un inicio era mucho más bluesera, y por ello ni siquiera tenían contemplado grabarla. Sin embargo, George Martin hizo su magia, la suavizó con una armónica, y sugirió arrancar con ese “darará darará damdaaaam”. La melodía es irresistible, y para los puentes cambian a tonos menores. John diría que esa pieza les hizo cambiar su método para componer, y empezarían a girar de un R&R a un estilo más pop. Además, Paul señalaría atinadamente que en sus primeros años, muchas canciones llevan “Me, I, You”, como una manera de hacerlas más personales, y esta sería un claro ejemplo de ello. Un tema ágil, ligero, inocente, pero que refleja también lo astutos que eran para componer, y la simbiosis que alcanzarían con Martin.


Enseguida tenemos “Thank You Girl”, lado B del tema anterior. Inicia con esos “awww, awww” de John, que arranca cantando solo y luego se incorpora Paul haciendo segundas. Es un tema más simple, quizá sin tantos ganchos, pero con una melodía pegajosa y John cantando apasionadamente, gritando un poco por momentos. La letra es muy cursi, cierto. Estaba dirigida a sus fans, que en ese momento ya eran muchas más chicas que chicos. En un inicio, la tenían pensada como single, pero aunque el resultado fue bueno para una canción “tan tonta”, como John y Paul la describirían después, terminaría quedando como lado B.


“She Loves You” debe ser mi canción favorita de la etapa más temprana de los Beatles. Un rockanrolito fresco y muy dinámico. Es imposible sacarse de la mente ese endiablado estribillo: “She loves you, yeah, yeah yeaaaah!”, convirtiendo esos “yeah” en refranes icónicos para el rock. Melodicamente es una joya, en la que John lleva el lead, mientras Paul y George hacen perfectas armonías. Los versos son cálidos, soleados, y con los puentes, agregan ligeramente algo de tensión, “She says she loves you, and you know that can’t be bad…” con George haciendo una pequeña escala descendente y luego con esos exquisitos “wooooo’s” que revientan en un nuevo estribillo. Ringo se muestra monumental. En un patrón de batería aparentemente sencillo, se nota ya su mano desde esa reconocible intro, con los fills, el manejo de tambores, y esos redobles con los que relanza la canción. Líricamente también es curiosa. Sigue ese patrón de los pronombres en el título, y es una canción de amor, pero es una de las primeras que habla en tercera persona, algo inusual para la época. La canción es una verdadera cátedra de ganchos, melodía y armonía, y aunque ciertamente suena algo fechada, en su momento sería revolucionaria. El single, lanzado el 23 de Agosto del ’63, sería a la larga el sencillo de los Beatles de más ventas en Reino Unido, y sería además, uno de los 5 temas que encabezaron las listas estadounidenses al mismo tiempo a inicios de 1964.


Su lado B es “I’ll Get You”, un temita pop más bien simplón. Como solían hacer, John y Paul cantan en armonía. Sin embargo aquí no hay un puente como en la mayoría de sus temas, George no hace nada realmente destacado, y musicalmente, lidera Paul con su bajo. Una armónica va acompañando al fondo, y de nuevo usan los “oh yeah’s” como ganchos. Pronto, cualquier otra banda que los usara sería acusada de intentar imitar a los Beatles. Como curiosidad, las cintas master dela canción se perdieron, igual que “She Loves You”, “Love Me Do” y “P.S. I Love You”.


Otro de esos temas que tuvieron a los Beatles en el top 5 a la vez es “I Want To Hold Your Hand”, que puede resumirse en una sola palabra: Beatlemanía! Con una intro poderosa (Do-Do-Re Do-Do-Re), arrancamos con otra de ésas melodías irresistibles y ése cúmulo de ganchos: “Oh yeah, I’ll tell yo something, I think you’ll understand”. Los chicos habían dominado muy bien la fórmula: “oh yeah’s”, pronombres, armonías a dos y tres voces, puentes pegajosísimos, George haciendo licks y transiciones entre tonos (donde otras bandas tocarían 2 notas, Harrison suele meter escalas transicionales de 3 o hasta 5 notas, lo han notado?), y una batería simplemente impredecible, pero que termina quedando muy bien y dando personalidad propia a cada tema. A pesar de que pudiera resultar formuláico, el sistema les resultaba sin atiborrarnos de canciones que sonaran a lo mismo. La diferencia eran las enormes melodías que lograban crear. Aquí además tenemos las palmas que suenan de vez en cuando. Ese puente celestial “And when I touch you I get happy… inside” que queda un segundo como en suspenso. Y la batería de Ringo durante el estribillo es simplemente genial. John y Paul la escribieron juntos en casa de Jane Asher, novia de Paul. La grabaron el 17 de Octubre de 1963, con 17 tomas, la primera vez que usarían 4 canales. El grupo se había resistido a iniciar una gira en USA hasta no tener un #1, ya que parecía haber resistencia hacia ellos. Poco después, en plena gira europea y tras un concierto en París, Epstein les daría la noticia de que por fin lo habían logrado. “I Want To Hold Your Hand” desataría la Beatlemanía.


“This Boy” quizá la tengamos más presente que otros singles, o al menos los que vimos la película “A Hard Day’s Night”, ya que es la toma que se lleva la película, en la que Ringo va caminando a la orilla de un río sintiéndose sólo y triste. Como dato, ese día Ringo estaba que se moría de una resaca, por lo que su malestar era auténtico. Esa escena terminaría eclipsando el resto de la película, y mientras aparece, al fondo suena “This Boy”, que también sería conocida como “Ringo’s Theme”, aunque quien la canta es John. Lennon compuso el tema tratando de imitar el estilo de Smokey Robinson. Con versos en balada, casi vals, los puentes son electrizantes, con John gritando de manera desgarradora, mientras Paul y George hacen armonías al fondo. La letra, es además pesimista, introspectiva. Aún lejos de “I’m A Loser” y “Help!”, pero ya dando un indicio de esa melancolía lennoniana.


Viene luego una de esas curiosidades que únicamente se encuentran en este disco: “Komm, Gib Mir Deine Hand”, que es la versión en alemán de “I Want To Hold Your Hand”. EMI estaba convencida de que la única forma de colocar un single de éxito en Alemania, era cantándola en alemán. La banda se resistió mucho tiempo, pero tanto Brian Epstein como George Martin empezaron a presionar también. Después de todo, los chicos eran fluidos en el idioma. Camillo Felgen sería el encargado de traducir las letras, y los chicos finalmente cedieron mientras terminaban el Tour Francés en Enero el ’64 y alistaban maletas para brincar el Atlántico por primera vez. Por ello, fue el primer tema en ser grabado fuera de Inglaterra, y de hecho, fuera de Abbey Road. La canción se completó en 11 tomas, usando los instrumentos originales y simplemente regrabando voces.


“Sie Liebt Dich” fue grabada durante esas mismas sesiones. La diferencia es que la cinta Master de “She Loves You” fue de las que habían sido destruidas, por lo que tuvieron que regrabar todos los instrumentos, además de las voces. EMI tendría especial cuidado en cuidar los masters a partir de esta fecha. Prácticamente son iguales en cuanto a música, pero la versión en alemán se extiende 2 segundos más, sin que se sienta más lenta. Dejaron los “Yeah Yeah Yeah” en vez de traducirlos al “Ja”, manteniéndolo como identidad de la banda. Los dos temas fueron grabados el 29 de Enero de 1964, en los EMI’s Pathe Studios de París. Los sencillos la rompieron en Alemania, de manera previsible, pero al ser lanzados en USA y Australia, prácticamente fueron ignorados (también de manera previsible). A partir de esto, la banda se negaría rotundamente a grabar en otros idiomas, salvo por líneas sueltas en las canciones. Como curiosidad, se fijan que en esta primera mitad John lleva el lead vocal en todas las canciones?


Sigue “Long Tall Sally”, del EP del mismo nombre lanzado el 19 de Junio de 1964. Este es un Rockanrolito que tenían en su repertorio desde que eran os Quarrymen en 1957. El original fue hecho famoso por Little Richard en 1956. Aquí Paul lleva el lead vocal con su “voz gritada”, sin armonías de los demás. George Martin toca el pianito al fondo. Dado que lo tocaban de memoria y que continuaría en su repertorio prácticamente hasta su último concierto (y aún Paul la seguiría tocando como solista hasta la fecha), la grabaron en una sola toma. Llama la atención que sea un cover, pero va de la mano con el For Sale, más o menos de la misma época, donde predominan covers de rockanrolitos que hacían en sus inicios como banda.


“I Call Your Name” es el único tema propio de este EP, una canción de John. Lennon la había compuesto desde la época de los Quarrymen. En el ’63 se la dio a Billy J Krammer & The Dakotas, pero no le gustó el arreglo que hicieron y decidió grabarla con los Beatles. Aquí tenemos a George tocando por primera vez una Rickenbaker 360 de 12 cuerdas, con ese distintivo sonido. Ringo toca un cencerro, tenemos un buen solo de George, y otro gran puente. Aunque estaba planeada para aparecer en la película A Hard Days Night, el director Richard Lester la rechazó por ser parecida a “You Can’t Do That”. Y aunque John quería lanzarla como single, terminaría apareciendo en EP. La canción parece simplona a simple oída, pero una vez que escuchas la versión de The Mammas & The Pappas, de 1966, con un trato más jazzy, resalta la gran melodía de John.


Luego tenemos “Slow Down”, otro rockanrolito, original de Larry Williams. Lennon la canta, y suena totalmente carente de emoción, igual que el resto de la banda. Incluso ese grito antes del solo suena muy forzado. Y George suena como si estuviera dormido. Es decir, todos suenan con una enorme carencia de energía. Aunque John intenta sonar fuerte y por momentos grita, es uno de los peores covers que harían. Parte que más me gusta es ese Brrrrrr al 1:33


“Matchbox” completa los temas de este EP. Aquí Ringo lleva el lead vocal en este cover de Carl Perkins, y lo hace de buena manera. Bueno, de la mejor manera que podía hacerlo por esas fechas. Al menos, muestra más pasión, y posiblemente fue Lennon quien lo tocó, por su estructura más simple. Los Beatles la tenían en su repertorio desde 1961, y Pete Best la cantaba. Martin toca el piano como en el resto de las rolas del EP.


Seguimos con “I Feel Fine”, en el que recuperan el buen nivel de sus singles. Cantada por John, la canción inicia con ese icónico feedback. The Who y The Kinks ya habían usado el efecto en vivo, pero Lennon reconocería que sería quizá la primera vez que quedaba registrada en vinyl. Contrario a lo que se piensa, es la guitarra de John la que suena, no la de George. La canción surgió durante las sesiones de “Eight Days A Week”, con John jugueteando con el riff. El sonido le gustó y lo depuró en un cambió de tonos y a partir de ahí, armó toda la canción. El intrincado riff, es pues, la base de la canción. Tiene versos muy melódicos, que se sienten como subeybajas con ese fraseo. Los puentes son otra maravilla lennoniana “I’m so glaaaaad, that she’s my Little girl”. De nuevo tenemos coros y armonías a 3 voces, un buen solo, y los manejos de tiempo de Ringo, con falsos finales y ganchos a montón. No son adorables esos “She said so”?


Seguimos con “She’s a Woman”, de Paul, que sería el Lado B de “I Feel Fine”. Paul hace su voz gritada, ya que está en un tono muy alto. En sí la canción tiene influencias de Little Richard y Carl Perkins, el bajeo tiene alto volumen mientras que la batería se pierde, y ambas van en contrapunto. George hace un brillante requinto de aires country. Va en un medio tiempo y se acelera un poco en los puentes, en los que Ringo entra con los platillos. No es la octava maravilla, pero es un digno lado B.


“Bad Boy” es un rockarolito de Larry Williams, cantada por John, semejante en mood a “Dizzy Miss Lizzy” (de hecho, fueron grabadas el mismo día). Lo más sobresaliente es el diálogo entre John y la guitarra de George, que se discute con buenos licks. Paul toca aquí el piano eléctrico, pero es apenas audible. Esta canción es muy rara, ya que no es un single, sino que salió en uno de esos discos bastardos gringos, llamado Beatles VI, que solían hacer un caos respecto a la discografía británica oficial. No sé si originalmente estaba planeada para el Help! y se descartó, o si estaba pensada como lado B y se arrepintieron, pero el caso es que es uno de los temas que, por su tipo de lanzamiento, fue prácticamente desconocido para el público británico durante más de 2 décadas.


“Yes It Is” me parece uno de los temas más soporíferos de toda la discografía Beatle. Sería lado B de la genial “Ticket To Ride”. Su valor quizá radica en la compleja armonía vocal con disonancias y a George experimentando con el pedal de volumen para hacer esos efectos soñolientos. John diría tiempo después que fue un intento fallido de reescribir “This Boy”. La verdad es que es una canción muy floja, con una melodía inusualmente débil, sin ganchos, y totalmente olvidable. El peor tema de esta colección.


Cerramos con “I’m Down”, que es el mejor de los rockanrolitos de McCartney en el disco. Este sería el Lado B de “Help!”. Contrario a los R&R’s del EP, aquí suenan mucho más cohesionados y seguros de sí mismos. Paul se enloquece por momentos, gritando y haciendo una pequeña fiesta, sobre todo en la coda. El tema inicia prácticamente a capella, Ringo juega con los tums para empujar la canción. John y George hacen un gran trabajo vocal al fondo, supongo que con overdubs, ya que suena incluso una voz en bajo, al estilo de los Beach Boys. Harrison hace un buen solo, y van jugando con los tiempos, con parones y arrancones que le dan una gran dinámica. Para la parte final viene un solo de teclado eléctrico a cargo de John que le da aún más punch. En la versión que hicieran en el Shea Stadium, John enloquecería un poco mientras tocaba ese fragmento con los codos. El tema es potente y muestra la habilidad de Paul con el R&R, cerrando de buena forma un disco que se iba desinflando.



En fin, el disco no es perfecto, pero es muy bueno y hace un agradable recorrido en la primer etapa del cuarteto. Como ya dije, es muy fluído, y aunque son 18 temas, la mayoría ronda los dos minutos, por lo que se va volando y no se siente pesado. Tenemos aquí algunos de los pilares de su discografía, sobre todo esos primeros sencillos sobre los que se sentaría s éxito y la explosión de la Beatlemanía. Temas como “She Loves You” y “I Want to Hold Your Hand” muestran porqué estaban a años luz de la mayoría de las bandas a las que les abrieron las puertas de la Invasión Inglesa. Son canciones indispensables que, aún hoy día, todo niño de párvulos debe ubicar. La cuestión es que hay otros temas que no son tan fuertes, lados B’s que ya hubieran querido otras bandas como su mayor éxito, pero que para estándares de los Beatles, suenan más promedio. Este es su lugar. Uno pensaría que siendo un Greatest Hits, debería ser impecable. La cuestión es que… no lo es. No es un Greatest Hits, sino una colección de temas que no se pueden encontrar en ningún otro lado, y por ello no se pueden dar el lujo de escoger. Por ello, tiene un formato más similar a un disco de estudio y no necesariamente todos los temas son de primerísimo nivel. Aún así, es un disco indispensable, que nos lleva de la mano a través de los primeros años de la banda, sus puntos más altos, sus temas más rockeros, algunos promedio, y uno que otro tropiezo. Ése es quizá el mayor mérito de Neil Aspinall… no quiso ofrecernos un producto comercial perfecto, sino que se arriesgó con uno de gran valor musical, que muestra a la banda tal y como fue.



Por Corvan

FOXTROT (Genesis, 1972)

Artista: Genesis (C+)

Fecha de Grabación: Ago-Sep de 1972

Fecha de Lanzamiento: 6 de Octubre de 1972, UK

Discográfica: Charisma

Productor: Dave Hitchcock and Genesis


Calificación: 10 (DISCO ICÓNICO, MUST HAVE)

Era: Progresivo (1968-???)

Subgénero: Progresivo

Mejor Canción: Supper’s Ready


Canciones: 1) Watcher Of The Skies; 2) Time Table; 3) Get 'Em Out By Friday; 4) Can-Utility And The Coastliners; 5) Horizons; 6) Supper's Ready.


El Trespass sería un ensayo, con el Nursery Cryme alcanzarían su sonido y verdadero potencial, pero con el Foxtrot, Genesis lograría explotar por completo. Regresando un poco, el Nursery Cryme les significó por primera vez un relativo éxito a la banda. De pronto, se dieron cuenta que el disco no sólo vendía en casa, sino que había alcanzado colarse al top 5 en Italia y Bélgica. Así que los chicos emprendieron su primer mini gira europea. Por esas épocas grabaron sesiones para la BBC, y tocarían en el Festival de Redding, llevándose las palmas no sólo de los fans, sino de los críticos que habían ido a verlos expresamente. Al fin comenzaban a ganarse el respeto que merecían.

Pero no todo fue miel sobre hojuelas. Steve Hackett, que recién se había agregado a la banda y cuya guitarra había sido fundamental para encontrar ese balance en el Nursery Cryme, amagó con renunciar por pánico escénico y agotamiento por los tours. Algo parecido a lo que orilló a Tony Phillips a salir del grupo. Afortunadamente, sus compañeros lograron disuadirlo y convencerlo de que se quedara. Hackett había escrito un montón de material que la banda empezó a ensayar a inicios de 1972. La mayoría no entraría en el nuevo álbum y sería usado después en el primer disco solista de Steve, Voyage of the Acolyte. La banda comenzó a ensamblar los nuevos temas, y desde la primera mitad del ’72 comenzaron a pulir en vivo “Watcher of the Skies” y “Can-Utility and the Coastliners”.

Para Agosto del ’72 estaban listos y entraron al estudio, de nuevo con John Anthony como productor. El problema es que Anthony y los ejecutivos de Charisma, su sello discográfico, ya traían pleito, y tomaron como excusa los altos costos de producción de “Happy The Man”, lo despidieron y les asignaron a Tony Platt. Desgraciadamente la química con él no existió en absoluto, y a su ingeniero de sonido, Bob Potter, ni siquiera le gustaba el estilo de Genesis, así que el asunto no duró mucho. La dupla sería reemplazada con Dave Hitchcock en la producción y John Burns como ingeniero, formando equipo durante los siguientes discos de la banda y siendo responsables del estupendo sonido.

Ahora, 1972 fue un año crucial para el Prog, con un buen puñado de bandas tratando de expandir las fronteras musicales con un nivel de tecnicismo endiablado. Ese año salieron el Close to the Edge de Yes, y el Thick as a Brick de J Tull, con suites que abarcaban una y dos caras respectivamente. Genesis ya había logrado la inmersión total al Prog en el Nursery Cryme, pero en este disco estaban dispuestos a mostrar al mundo que iban MUY en serio. El disco es impecable en este aspecto: tiene un manejo casi artesanal de los tiempos. Collins diría que salió maravillado de un concierto de Yes y se fijó la meta de hacer esos intrincados juegos de tiempo de Brufford, como los que hace en “Watcher of the Skies”, cambiando de 8/4 a 6/4. Podremos decir lo que sea de Collins, pero en ésta época traía un nivel brutal en la batería. Tenemos por supuesto los largos pasajes instrumentales típicos del género. Suena un Mellotrón, con el que abre precisamente el disco, y que no puede faltar en una banda Prog de 1972… Intrincadas líneas de bajo, un gran nivel técnico de guitarra, con mayor presencia de acústica de 12 cuerdas, interpretación vocal exagerada, y letras poéticas y que buscan ser profundas. Todos los ingredientes alquímicos están aquí. Lo que diferencia a Genesis de otras bandas es el porcentaje que usan de cada elemento. Estos tipos son endiabladamente astutos y quizá sabían que en un uno a uno salían perdiendo con los pesos pesados del Prog de la época. Pero como conjunto no. Logran balancear sus debilidades con sus fortalezas como equipo. Cada nota es agregada con delicadeza y con un propósito. Los largos pasajes instrumentales en su mayoría están justificados, no sólo para apantallar a los escuchas con meteóricos solos como solían hacer las otras bandas, sino porque el mood de la canción generalmente así lo requiere. La música Prog se considera más enfocada a expandir la creatividad, pero en aras de esta experimentación, el género se vuelve frío y artificial entre tanto pirotécnico solo. Con Genesis no. Aquí logran dominar ese arte de hacer temas más orgánicos, sinceros y emotivos, sin sacrificar en complejidad. Y creo que esa el mayor virtud de Genesis. Eso y Peter Gabriel, que aquí trae un nivel bárbaro.



El disco arranca con “Watcher of the Skies”, que tiene una larga y atercipoleada intro de Mellotrón, con el que Banks juega por casi 2 minutos, dando toque majestuosos y dramáticos antes que el bajo y batería hagan un fade in y revienten por fin el tema al 2:20, con los remates de Phil. Cabe señalar que el uso del Mellotrón es casi una ciencia por sí misma, y sacar dos tonos afinados es todo un logro. Banks logró sacar esa secuencia de tonos iniciales que le fascinó, y a decir de él, sólo sonaban bien en el Mellotrón Mark II que le compraron a King Crimson, ya que en versiones posteriores sonaba desafinado. Lo cierto es que da un efecto cósmico, pero a la vez elegante, magnificente. La canción toma un ritmo galopante, con un Phil Collins inspirado por haber escuchado a Brufford en vivo y tratando de emular los complejos cambios de ritmo. En ésta época puede ser sutil y potente al mismo tiempo, y se combina muy bien con los cambios de intensidad en la voz de Gabriel. La letra la escribieron Banks y Rutherford en un check sound en Nápoles, cuando se preguntaron cómo se vería la tierra desierta desde la perspectiva de un visitante extraterrestre. Sí, las letras de Tony no son tan buenas: “Maybe the lizard shedded it's tail, This is the end of man's long union with Earth”, pero en este caso son lo de menos con tan fantástica estructura que se montan. Peter ya es un maldito amo de la melodía. A pesar de los evidentes problemas de métrica de las letras, se las ingenia para encajarlas con naturalidad y actuarlas con dramatismo, jugando con la intensidad y agregando ganchos. Rutherford también juega un papel destacado, con un bajeo haciendo rapidísimos punteos, furiosos remates y haciéndolo crujir a la Greg Lake. Hackett luce un tanto discreto, dejándole el protagonismo a Banks, que se luce también con el Hammond. Pero la guitarra tiene sus momentos, como esos incisivos arreglos al 3:30. Cerca del minuto 6 inicia la amenazante coda, con arrancones y parones en destiempos que te tumban de tu asiento, para cerrar con una gran secuencia de Mellotrón en escala ascendente cada vez más angustiosa, para cerrar con un tono glorioso, tras casi 7:30 de duración. Hay que destacar la gran producción. Cada instrumento suena limpio y en su lugar, con las guitarras y batería detrás de los teclados, pero sin estar sepultados, aumentando el sonido de Hackett cuando lo requiere. También sirve de ejemplo para realzar esas fabulosas transiciones entre las partes calmadas y las explosivas, haciéndolo de manera mucho más sutil que la mayoría de sus contemporáneos. “Watcher of the Skies” se convertiría uno de los clásicos de Genesis, que serviría para abrir o cerrar conciertos durante más de 10 años.


Sigue “Time Table”, un tema más ligero y amable, por decirlo de algún modo. El tema es liderado nuevamente por Banks. Noten esa magnífica intro de piano, que de entrada nos transporta a un mundo victoriano. Peter entra al :15, con ese tono profético que le sienta tan bien. Hace una gran melodía, actuando, pero esta vez sin interpretar muchos personajes. Aún así es notable como maneja la intensidad, desde esa especie de plática con que arranca los versos, la melódica explosión del estribillo – esos “WHYYY WhyYYy” son magníficos - para rematar el estribillo casi susurrando, en tono confidencial. Luego Banks nos regala un precioso pianito eléctrico que nos conduce hasta el siguiente verso. Collins y Hackett lucen un tanto discretos en función del tema, pero Rutherford hace otra destacada actuación con un bajeo saltarín y lleno de personalidad, sobre todo en la coda. La letra habla sobre tiempos pasados, desde la perspectiva de una mesa que tiene siglos y que recuerda: “A time when honour meant much more to a man than life”. Quizá no es una canción tan protagónica como las que abren y cierran el disco, pero tiene un precioso piano y un estribillo emotivo y espectacular que hacen que vaya creciendo con cada escucha.


Continuamos con “Get 'Em Out By Friday”, que es otra de esas exquisitas y retorcidas historias que sólo se le podrían ocurrir a Gabriel. Trata sobre la crueldad y malicia del gobierno y las empresas, ya que la gente está tan empobrecida que ya no puede pagar las rentas. Una empresa de control genético compra todas las casas y coludida con el gobierno, establecen que a partir del 2012, las personas deben medir máximo 1.20 m para poder acomodar el doble de gente en los edificios. Peter personifica con un estilo vocal distinto a cada uno de los personajes, de manera similar a lo que hiciera en “Harold the Barrel”. La canción inicia con un tono como de fanfarrias para una intro de :40 en la que se alternan teclados y guitarras. Hackett de entrada suena con más distorsión, con un tono más afilado. Luego entra Peter con un fraseo endiablado, mientras Mike hace una de sus líneas de bajo más endiabladas:


“Get 'em out by Friday!

You don't get paid till the last one's well on his way”


Grita en esta parte el hombre de negocios John Pebble, de Styx Enterprises. Luego viene una parte más calmada, con los dramáticos arpegios de guitarra dominando. En esta parte personifica a Mark Hall (también conocido como “The Winkler”), quien se encarga de desalojar a la gente:


“I represent a firm of gentlemen who recently purchased this

house and all the others in the road,

In the interest of humanity we've found a better place for you

to go, go-woh, go-who”


Noten cómo incluso el acento parece cambiar. Luego el teclado cambia el tiempo y responde una desolada Mrs. Barrow, futura exinquilina del departamento, en un tono más dulce:


“Oh no, this I can't believe,

Oh Mary, they're asking us to leave”


Posteriormente se repite la parte de John Pebble, exigiendo la salida de la gente de una forma violenta, que se combina con ese ritmo desaforado de toda la banda. Mrs Barrow sigue en la siguiente estrofa, más larga, con arpegios y un teclado aflautado, acorde a la tristeza de la señora. Los personajes continúan alternándose hasta que es evidente que la señora se tiene que ir. Viene entonces un solo de guitarra con mucho fuzz, mientras el bajeo hace otro solo al fondo, como haciendo notar la desesperación. El grupo juega con los tiempos en este largo pasaje instrumental, haciendo un fade out paulatino, hasta que la canción parece morir en una oleada de teclados. Aquí es cuando se supone que pasan los años y llegamos al 2012, cuando se hace un anuncio por radio:


“This is an announcement from Genetic Control:

It is my sad duty to inform you of a four foot restriction on humanoid height”


Tras esto, vienen conversaciones de la gente sobre rumores, y posteriormente, John Pebble, ahora con el rango de Sir y en una compañía global regresa con su estruendosa parte, regodeándose de la fortuna que está amasando – “A dozen properties - we'll buy at five and sell at thirty four” – para terminar con otro comunicado de parte de otra compañía, (Satin Peter, o Saint Peter???) que acaba de ver otra “oportunidad de negocio”:


“With land in your hand, you'll be happy on earth

Then invest in the Church for your heaveeeeeeeen”


Me encanta lo irónico que puede llegar a ser Gabriel, sobre todo en el último verso. La letra es monumental, la mejor hasta el momento, es sofisticada, contiene una historia en sí misma, y es una sátira muy afilada. Se nota su pasión por la literatura y se podría hacer una obra de teatro con ella. Como en toda sátira, hay una crítica no tan oculta. Quizá en su momento atacara el negocio de bienes raíces que empezaba a estancarse en Inglaterra, pero el tema sigue actual y se aplica prácticamente a todos los sectores donde el bienestar ha dejado de ser prioridad para convertirse en negocio, desde la industria alimenticia (con Monsanto a la cabeza), hasta las farmacéuticas y todo el sector salud que están más preocupadas en ganar dinero que en curar gente, pasando por televisoras, bancos, pensiones y lo que se les ocurra. Si bien el eje central es la brutal genialidad e interpretación de Gabriel, el resto de la banda contribuye de diversas maneras a construir los moods musicales de cada personaje, creando partes complejas, pero a la vez memorables y resultando en un espectacular tema épico de casi 9 minutos.


Enseguida viene “Can-Utility And The Coastliners”, un tema escrito en su mayoría por Steve Hackett, y como es de esperar, donde la guitarra lleva la pauta. La canción habla sobre el Rey Canuto, vikingo danés que logró unificar brevemente los tronos de Dinamarca, Inglaterra y Noruega. Arranca con la guitarra de 12 cuerdas haciendo arreglos, junto con el hammond de Banks, con efectos aflautados, para dar una sensación Folk. Poco después del minuto, entra la sección rítmica y la canción va subiendo de intensidad en una tremenda sección media, con dos guitarras de 12 cuerdas, un bajeo distorsionado a intervalos, y un Melotrón creando tensión que no revienta. Gabriel regresa, grita el “Where they fell”, y ahora si explota todo con un soberbio arreglo de órgano en descendientes y un posterior ataque de bajo, que suena oscuro y profundo (gracias a un Dewtron Mr. Bassman). Al final, me parece algo larga, y por primera vez sin demasiado propósito los últimos 75 segundos. No es mala en absoluto, pero da la sensación de ser el punto más débil del disco.


Luego tenemos “Horizons”, un temita acústico de Hackett, que inicia con la figura de Preludio de la Suite No. 1 en Sol Mayor para chelo, de Bach. Es un tema hermoso, de menos de 2 minutos, grabado cuando aún Potter estaba intentando producir el disco. La guitarra suena cristalina, con juegos de armónicos, y Steve armaría la pieza inspirado en los compositores del periodo Tudor. Aunque es muy técnico, no suena a una pieza en la que quiera presumir músculo o velocidad, como otros guitarristas Progsters. La incluyó simplemente porque es un tema lindo, corto y bien armado.


El disco cierra con “Supper’s Ready”. Si “Get Them Out By Friday” resulta épica, ésta es monstruosa, en el buen sentido. Rayando los 23 minutos, es la canción más larga de Genesis, y abarca casi toda la cara B del acetato. Supongo que dijeron, “si ELP, King Crimson y el tipo ese de la flauta pueden, porqué nosotros no?”. Así que Peter Gabriel hizo su magnánima versión del Apocalipsis de 7 partes. La canción empezó siendo algo mucho más simple, pero igual que “The Musical Box”, empezó a crecer y crecer, uniendo distintas canciones. Por lo mismo, tiene constantes cambios de tiempo, de notas, de moods, riffs, texturas… siendo un esfuerzo conjunto acreditado a toda la banda. Banks usó varias secciones que había compuesto en la universidad, Gabriel compuso casi toda la letra basándose en una experiencia sobrenatural con su esposa Jill, que lo llevó al libro del Apocalipsis, Phil fue el pegamento que trabajó en las transiciones para unir cada parte, Rutherford el responsable del extraño y majestuoso tiempo de 9/8 hacia el final del tema y Hackett tiene algunos de sus mejores momentos a la guitarra.


La primera sección es “Lovers Leap”, que va hasta el 3:47. Lleva guitarras de 12 cuerdas arpegiadas (son de hecho Tony, Steve y Mike tocando a un tiempo). Por momentos también hay overdubs vocales para una triple armonía. Peter canta de manera majestuosa, otra vez haciendo cambios dramáticos. En esta parte, cuenta la experiencia que vivió con su esposa, cuando entró a una habitación púrpura en casa de sus suegros, una habitación con “mala vibra”, en la que de pronto, jura que vio cómo cambiaba el rostro de ella en algo maligno. Me impresiona porque alguna vez me pasó algo similar… no con mi esposa, afortunadamente. Las guitarras logran por sí mismas gran tensión y belleza, y hacia el final, Banks hace un gran solo de piano eléctrico y da algunas notas de Mellotrón, creando una ambientación oscura, sin ser sofocante.


La segunda parte es “The Guaranteed Eternal Sanctuary Man”, que va del 3:48 al 5:43. Aquí suben un poco más la intensidad, y Peter logra una melodía deliciosa, mientras Steve hace chillar la guitarra al fondo como los mismos ángeles. Aquí se centra en dos personajes de un pueblo: un granjero bueno, y un tipo que es líder de una religión pseudocientífica, que se hace llamar como el título de esta parte. El granjero trata de abrirle los ojos a los demás y advertirles de las mentiras del tipo. El gurú entra en un estado climático, Peter está prácticamente gritando, y la canción se corta de pronto, quedando suspendida solo por el órgano hammond y voces de niños cantando al fondo, creando un efecto increíble.


Sigue “Ikhnaton and Itsacon and Their Band of Merry Men”, del 5:44 al 9:42. Inicia con una suave flauta y los arpegios, pero pronto la canción estalla de forma casi violenta al 6:35, emulando la batalla que describe la letra entre Akenatón e Itsacón, la guerra entre el bien y el mal. Aquí Collins se luce con el complejo beat galopante, pero el que se lleva las palmas es Hackett, con un solo eléctrico de primer nivel, con tapping incluído. Chequen cómo hace vibrar su guitarra al minuto 8, justo antes de que entre Tony. Después de un momento de paroxismo, vuelven las letras celebrando la victoria, y van difuminando la canción hasta un largo silencio.


La cuarta parte es “How Dare I Be So Beautiful?”, del 9:43 al 11:04. Pareciera que el tema se acabó, pero oleadas de piano con procesado, junto con un fúnebre Gabriel, surgen del fondo. Canta sobre los desastres causados por la guerra, y en particular, de un tipo que ha quedado idiotizado y sólo ve su reflejo en el agua, cual Narciso, hasta que Seguridad Social se lo lleva. Esta es la parte más calma de toda la suite.


Sigue “Willow Farm”, del 11:05 al 15:37. Se ha ido la mitad del tema, y alguien siente que ha desperdiciado un solo segundo? Esta sección es la alocada y divertida. Se engancha con la anterior con la repetición de las palabras “a flower”, pero noten el brutal cambio de entonación. Aquí pareciera que estamos oyendo a Sparx, de no ser por la genialidad de Gabriel interpretando y haciendo el montón de voces, que funcionan mejor si se escucha con audífonos. La letra no tiene mucho sentido. Parece ser mero humor inglés haciendo juegos de palabras: “There's Winston Churchill dressed in drag,

he used to be a British flag, plastic bag, what a drag”. A la mitad de la sección tenemos otro cambio de tiempo, todavía más de vaudeville. No les encanta esa parte en que canta “You're under the soil” y el resto contesta en tono grave “the soil, the soil”? Es difícil recordar algo en particular después de oír una pieza tan grande, pero sin duda está colmada de ganchos de principio a fin. Peter diría que su propósito era aligerar la seriedad del resto de la suite, pero se supone que al final se abren los 7 sellos. Para cerrar esta sección, tenemos un hermoso interludio instrumental con flauta.


La sexta parte es “Apocalypse in 9/8 (Co-Starring the Delicious Talents of Gabble Ratchet)”, del 15:38 al 20:11, con un intrincado beat en 9/8. Éste resulta hipnótico, liderado por Mike Rutherford. Inicia casi punteando el mismo tono, pero lo va haciendo más y más complejo, trabajando una deliciosa progresión, que es a mi gusto, la parte culminante de toda la obra. Banks agrega un impresionante solo de teclado mientras Phil va volviendo cada vez más tensa la batería. En la letra se desata el Apocalipsis a través de Magog. Llena de imaginería del último libro de la Biblia, con las 7 trompetas, el 666, dragones y demás, el subtítulo hace referencia a los sabuesos del infierno (Gabble Ratchet) que algunos interpretan como gansos, y por ello suenan gansos al 18:50. Tras esto, Banks remplaza el órgano por el Mellotrón, dando una sensación más épica y majestuosa, con en Gabriel en pleno clímax, y uno de los momentos culminantes de la historia del Rock, además de la definición misma de lo que debe ser un crescendo. Por este fragmento vale la pena todo el álbum, sin demeritar el resto de los temas.


“As Sure As Eggs Is Eggs (Aching Men's Feet)” es la séptima y última parte de la suite, del 20:11 al 22:57. En ella hacen un reprise de la melodía de la primera sección “Hey my baby, don't you know our love is true…” para después volverla más atmosférica, y con un Steve angelical, sonando como Gilmour unos cuantos años más adelante. La banda suena esplendorosa, con Banks al Mellotrón, creando música celestial, mientras Gabriel literalmente se deshace. El título hace referencia a una Fe ciega, a creer en que el bien siempre va a ganar. La letra hace referencias a la resurrección: “Can't you feel our souls ignite”, para cerrar con la Segunda Venida de Cristo:


“Lord of Lords,

King of Kings,

Has returned to lead his children home,

To take them to the new Jerusalem”


El resto del grupo está en pleno clímax, y el tema y el álbum cierran en un glorioso fade out. La leyenda dice que Gabriel estaba tan embebido en el estudio cantando esta parte que cayó casi desmayado al terminar, y cuando se repuso les dijo a los demás: “Les juro que vi a Dios”



En fin. La canción, y en sí todo el disco serían catalogados como la obra maestra de Genesis, a decir de muchos. Su mayor mérito, y en general de Genesis, es que no necesitan meter solos que te dejen con la boca abierta para lograr enormes temas. Son unos tipos que lograron hacer aquí un Progresivo más cercano… no necesariamente más simple. Y Peter Gabriel está increíble en este disco. Con letras que van de lo solemne a lo humorístico, y de lo crítico a un paroxismo religioso, de lo confesional a lo universal, y de lo medieval al sci-fi, derrochando conocimiento y anglocentrismo literario. Vocalmente también estaba ya en otro nivel. Es posible imaginárselo “actuando” las canciones, pero no por nada la gira del Foxtrot los catapultó al estrellato, con una increíble producción y un Peter cambiando de vestuario y máscaras, ya sea de zorro, de flor, como ángel, como centurión… es necesario verlo para creerlo. La crítica se desbarataría en elogios, diciendo que era un álbum de Art Rock en el que la banda sobrepasaba los conceptos de Arte y de Rock. Supongo que algo hay de cierto, considerando que debe tener al menos 3 piezas que indiscutiblemente deben estar en el top ten de Genesis y una que debe estar en el Top 3. Sobra decir que es un Must Have y que se convertiría en el disco Icónico de la banda. Debo añadir que tengo un problema, y es la calificación. Pensaba originalmente darle un 9.5, y esto porque creo que en el Selling England By The Pound superan este disco como unidad. Sin embargo no le veo un solo error que justifique en sí bajarle una décima. Sería injusto bajarle puntos sólo porque otro disco es mejor. Quizá pues, al próximo álbum le ponga un 11…



Por Corvan

Lo Que El 2015 Nos Dejó

Hechos Sobresalientes: La Crisis Siria, Charlie Hebdo y Los Atentados de París


Oscar a la Mejor Película: Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)


Oscar al Mejor Director: Alejandro González Iñárritu (Birdman)


Oscar a la Mejor Actriz: Julianne Moore (Siempre Alice)


Oscar al Mejor Actor: Eddie Redmayne (La Teoría del Todo)


Grammy al Mejor álbum: Morning Phase (Beck)


Premio Nobel de Literatura: Svetlana Aleksiévich (Bielorrusia)


Películas Icónicas: The Martian (Riddley Scott), Star Wars, El Despertar de la Fuerza (J.J. Abrahams), Mad Max, Fury Road (George Miller), The Hateful Eight (Quentin Tarantino)


Libros Icónicos: Tierra Muda (José Vilaseca Haro), Número Zero (Umberto Eco)



2015 es un año malo, donde se reactivan las tensiones de la Guerra Fría como no se había visto desde 1989. Ucrania fue el detonante en 2014, pero las tensiones se trasladaron a Siria, donde el juego de poder entre Rusia, USA y la UE, se hizo patente, dejando miles de personas sin hogar, y desencadenando un éxodo masivo y una crisis de refugiados en Europa. La tensión global se vio afectada por un nuevo jugador, ISIS o El Estado Islámico, grupo que supuestamente en nombre del Islam, comenzó ataques terroristas contra blancos representativos de Occidente. Coincidentemente, pocos o ninguno de ellos que afectara intereses directos de USA o Israel, que deberían ser objetivos primarios, por lo que hasta la fecha levanta cuestionamientos sobre si no es un brazo armado para desestabilizar la zona en pro de “ciertos intereses”. En cualquier caso, con ISIS, el mundo vive una de las oleadas más violentas de ataques terroristas que se tenga memoria, y además de una tensión por la nueva Guerra Fría, se vive una inusual tensión entre Occidente y el Mundo Árabe. El 2015, de hecho, arranca en este tenor con el ataque de yihaidistas a Charlie Hebdo, revista satírica francesa que ya se había burlado del profeta Mahoma, casi tantas veces como de Jesús o Buda. En el ataque murieron 12 personas de la redacción, y marcaría la pauta del encontronazo cultural que significaría el resto del año. Mientras Siria es bombardeada por el este, el oeste y por su propio gobierno, se comienza a escribir la historia con Donald Trump lanzando su precandidatura por el partido Republicano, con un discurso de odio e ignorancia hacia México y los latinos. En ese momento parecía un mal chiste… Nepal es golpeada brutalmente por un terremoto y por sus réplicas, dejando el país, de por sí pobre, en un estado de crisis. Entre las notas buenas, Cuba y USA inician los primeros pasos para el restablecimiento de relaciones comerciales, y se reabre la embajada estadounidense en la Habana. Guatemala, usualmente relegado en el mapa político, da un tremendo ejemplo de civilidad al tumbar del poder al corrupto presidente Otto Pérez Molina. Algunos tiemblan en México, pero al final, éste es el país de “aquí no pasa nada”. El año cierra como inició. Tras la rabiosa respuesta francesa en Siria por los asesinatos de Charlie Hebdo, un grupo yihaidista perpetra ataques combinados en distintos puntos de París, siendo el más sonado el de la sala de conciertos Bataclan, donde el grupo Eagles of Death Metal interpretaba sus temas cuando el grupo terrorista irrumpió, tomó rehenes, y asesinó a ráfagas de AK47 a más de 80 personas. Un año oscuro, tenso, donde parece haber una regresión a la lucha entre oriente y occidente, y donde no está claro quién da fondos a los grupos terroristas ni cuáles son sus verdaderas intenciones. El mundo parece comenzar a realinearse, justo como en 1910, o 1935…



1 de Enero: Dilma Rousseff inicia su 2º gobierno al frente de Brasil, con la atención pública centrada en la corrupción y la economía.


7 de Enero: En París (Francia) tiene lugar un atentado perpetrado por dos terroristas yihadistas encapuchados contra la sede del semanario satírico Charlie Hebdo, donde 12 personas son asesinadas a quemarropa, la mayoría miembros de la redacción, incluido su director. Otras 11 personas resultan heridas. El semanario había recibido continuas amenazas desde que en 2006 publicara caricaturas de Mahoma. Poco después, al sur de París, una policía municipal resulta asesinada por otro yihadista en conexión con los dos primeros.


9 de Enero; En Francia, la policía francesa matará a los dos hermanos que perpetraron la masacre en la revista satírica mientras están atrincherados en una imprenta de una localidad a unos 40 kilómetros de París. En el mismo momento, en París, también resultará abatido el terrorista autor del asesinato de la policía local, que se ha atrincherado en un supermercado judío, donde cuatro rehenes fueron asesinados antes del asalto policial. Un total de 54 horas de terror.


16 de Enero: Estados Unidos empieza a facilitar viajes, comercio e inversión con Cuba tras el anuncio de reapertura en diciembre, aunque la restricción todavía no está totalmente suprimida. El mismo día, la NASA encuentra en Marte la sonda Beagle 2, de la Agencia Espacial Europea, que fue lanzada en 2003 y dada por perdida en 2004.


19 de Enero: La ciudad de Dresden, en Alemania, prohíbe las concentraciones públicas durante 24 horas por el alto peligro de atentados como el reciente de la revista francesa Charlie Hebdo, lo que incluye las protestas del grupo islamófobo PEGIDA. Previamente el propio movimiento había cancelado su marcha por amenazas contra la integridad física de los miembros.


23 de Enero: muere el rey de Arabia Saudí Abdullah bin Abdul-Aziz en Riad y se corona a Salman bin Abdul-Aziz como nuevo monarca.


25 de Enero: En las elecciones celebradas en Grecia, la población hastiada de cinco años de austeridad, empobrecimiento y recortes, da la victoria a la coalición de izquierdas Syriza de Alex Tsipras con un 36,3 % de los votos, quedándose a dos escaños de la mayoría absoluta. En los meses siguientes deberá soportar fuertes presiones europeas que, unido a una crisis del sector bancario, le llevarán a convocar un referéndum sobre los términos de un tercer rescate. Una vez solicitado este nuevo rescate en agosto, terminará dimitiendo el día 20, convocando elecciones anticipadas para septiembre.


26 de Enero: en Boston (USA) comienza el juicio contra Dzhokhar Tsarnaev, quien coperpetró el atentado de la maratón de Boston en abril de 2013. En Kobane (Siria) las fuerzas de las Unidades de Protección Popular expulsan a los últimos terroristas del Estado Islámico en la ciudad. En Ramadi (Siria), tropas iraquíes capturan un arsenal de armas a la banda terrorista Estado Islámico; entre ellas encuentran fusiles de fabricación israelí.


29 de Enero: en la Ciudad de México se produce una explosión en el Hospital Materno de Cuajimalpa, provocando el derrumbe del 75 % del edificio, atrapando a personal y pacientes. La explosión se produjo a las 7:15 a.m (hora local), provocada por una fuga de gas de un camión que abastecía al hospital. Se reportaron 7 muertos y más de 60 heridos.


31 de Enero: Sergio Mattarella es elegido nuevo presidente de la República Italiana.


1 de Febrero: Egipto libera a uno de los 3 periodistas de Al Jazeera, en prisión casi 14 meses, para ser deportado a su país natal, Australia.


5 de Febrero: Siria bombardea zonas controladas por rebeldes del Ejército del Islam del este de Damasco, en represalia por el lanzamiento de obuses de los insurgentes en dirección a esta capital, dejando sin vida a 70 personas. Los ataques de los insurgentes, por su parte, mataron a 10 personas.


14 al 15 de Febrero: atentados en Copenhague, donde resultan muertas 3 personas y hay 5 heridos.


27 de Febrero: Muere a los 83 años murió el actor Leonard Nimoy que se hizo famoso a nivel mundial por interpretar al Sr. Spock en Star Trek.


1 de Marzo: Tabaré Vázquez se convierte por segunda vez en presidente de Uruguay.


16 de Marzo: Muere Andy Fraser, Bajista de Free y co-autor del mayor éxito del grupo, “All right now”.


24 de Marzo: en la región de Digne (Francia), el copiloto del Vuelo 9525 (un Airbus A320-211) de la empresa alemana Germanwings lo estrella exprofeso contra los Alpes franceses. Llevaba 144 pasajeros a bordo y 6 tripulantes. Realizaba el trayecto entre Barcelona (España) y Düsseldorf (Alemania).


2 de Abril: Se produce una masacre en la Universidad de Garissa, en Kenia, de manos de Al-Shabbaab. De acuerdo con la información oficial, el número de víctimas se Alcanza 152 personas, en su mayoría estudiantes que yacían sin vida dentro del recinto.


12 de Abril: Resultan 17 personas muertas y 59 heridas en la ciudad siria de Alepo por bombardeos y el disparo de cohetes por parte de las fuerzas del Gobierno sirio y de los rebeldes.


24 de Abril: La empresa estadounidense Apple lanza su primer reloj inteligente, llamado Apple Watch, que compite dentro del mercado de los smartwatchs con Android Wear, Pebble, Sony, Samsung y Xiaomi.


25 de Abril: Nepal es golpeado por un terremoto de magnitud 7,9 MW, con epicentro a 34 km de Lamjung.


26 de Abril: Guatemala inicia un movimiento cívico sin precedentes, la población guatemalteca cansada de los actos de corrupción sale a las calles en una masiva protesta en la plaza central de la ciudad, frente al Palacio Nacional, palacio de gobierno, el movimiento nacional logró la renuncia de la vicepresidenta Roxana Baldetti el 8 de mayo, y el presidente Otto Pérez Molina renuncia el miércoles 2 de septiembre, actualmente ambos se encuentran en prisión preventiva por ser acusados de dirigir una estructura criminal que defraudaba al Estado de Guatemala a través de las aduanas del país. La noticia de que el movimiento ciudadano logró la renuncia de sus gobernantes, y su encarcelamiento, dio un ejemplo de ciudadanía y poder popular al mundo (menos a México, que seguimos como siempre).


28 de Abril: Son rescatadas en Nigeria 293 mujeres y niñas secuestradas por Boko Haram en un operativo dirigido a recuperar el bosque de Sambisa. Las recatadas no son las víctimas del secuestro de Chibok.


2 de Mayo: En una ceremonia fúnebre chiita realizada en Bagdad, explotan 2 coches bomba que matan a 19 personas. Posteriormente el atentado será reivindicado por la banda terrorista Estado Islámico.


7 de Mayo: En el Reino Unido se celebran elecciones generales.


12 de Mayo: Otro terremoto golpea a Nepal causando 100 muertos y más devastación. Seymour Hersh, periodista estadounidense ganador del Premio Pulitzer, publica un artículo en la revista quincenal London Review, donde cuestiona la veracidad de las afirmaciones del Gobierno de Estados Unidos acerca de la muerte del abatido líder de Al Qaeda, Osama Bin Laden. La Casa Blanca rechazó casi de inmediato tal información.


13 de Mayo: El Vaticano reconoce a Palestina como una nación soberana e independiente.


14 de Mayo: B.B. King, el rey del blues, murió mientras dormía. Un multi infarto, consecuencia de su diabetes, hizo que ya no aguantara más. Hasta el Presidente de Estados Unidos, Barack Obama, le dedicó palabras: “El blues ha perdido a su rey y este país ha perdido una leyenda”.

27 de Mayo: En Zúrich (Suiza) se destapa el escándalo por corrupción en la FIFA. Arrestan a 19 funcionarios de la FIFA. A pesar de ello, Joseph Blatter fue reelegido dos días después como presidente de la FIFA, consiguiendo así su quinto mandato.


2 de Junio: Joseph Blatter presenta su renuncia a la presidencia de la FIFA.


6 de Junio: F. C. Barcelona gana su quinta Liga de Campeones de la UEFA al vencer 3-1 a la Juventus en el Olympiastadion de Berlín (Alemania).


7 de junio: En México se celebran elecciones federales intermedias, con un fuerte rechazo al partido oficial, PRI.


11 de Junio: en Chile comienza la 44.ª edición de la Copa América 2015, que ganará el equipo anfitrión. A los 93 años, muere el actor inglés Christopher Lee, reconocido por sus múltiples interpretaciones, desde rácula, hasta en las sagas de El Señor de los Anillos y Star Wars.


14 de Junio: En el pueblo de Charlestone (en USA), sucede una masacre racista que deja 10 muertos y abre el debate acerca del control de armas en ese país.


16 de Junio: En Nueva York, el empresario Donald Trump anunció su precandidatura a la presidencia de Estados Unidos por el Partido Republicano, bajo el slogan "We are going to make our country great again" (Vamos a hacer a nuestro país grande de nuevo). Sin embargo, su discurso en ese acto generó controversia, ya que hizo comentarios despectivos hacia México, catalogando a los inmigrantes mexicanos ilegales como "corruptos, delincuentes y violadores", indicando además su deseo de construir un muro entre las fronteras de Estados Unidos y México, que tendría que ser pagado por México.78 Estas declaraciones causaron el enojo de la comunidad latina de los Estados Unidos e hicieron que varias empresas (como NBC, Macy's, y Univisión) cortaran relaciones comerciales con Trump.


26 de Junio: En Francia, Kuwait, Siria, Somalía y Túnez, múltiples ataques terroristas dejan más de 130 muertos. La Corte Suprema de los Estados Unidos legaliza el matrimonio homosexual en todo el país al declarar inconstitucionales todas las leyes en contra que había en distintos estados.


27 de Junio: El bajista y fundador de Yes, Chris Squire, fallece a los 67 años. Había estado con tratamiento contra la leucemia. Un talento enorme que inspiró a no pocos músicos a tocar el bajo, y que dejó para la posteridad su performance impresionante en las cuerdas.


2 de Julio: En Bogotá se revive el terrorismo con la detonación de 2 bombas, una en la calle 72 y otra en la localidad de Puente Aranda.


5 de Julio: Tras una dramática semana de corralito y de control de capitales, y con la economía al borde del colapso, en Grecia se celebra un referéndum convocado por el primer ministro, Alexis Tsipras, en el que lo votantes, apoyando a Tsipras, deciden decir no a la austeridad impuesta por Europa y apoyar su soberanía popular y nacional. Más del 62 % de los ciudadanos que han votado, rechazan la última propuesta de los socios europeos, contemplando una nueva tanda de recortes y ajustes. Tsipras comentó que lo que dicen las urnas "no es un mandato de ruptura, sino un mandato para una solución sostenible" y "el funcionamiento del sistema bancario". También añadió que ahora toca seguir negociando. En los días siguientes deberá soportar fuertes presiones europeas que le llevará a solicitar un tercer rescate, por lo que el 20 de agosto dimitirá y convocará elecciones anticipadas para septiembre.


11 de Julio: El tifón Chan-Hom arrasa el este de China dejando pérdidas económicas de US$314 millones más el cierre de colegios y de la suspensión de vuelos y trenes. El narcotraficante mexicano "El Chapo Guzmán", jefe del cartel de Sinaloa, fuga de la cárcel del Estado de México, poniendo en evidencia el nivel de seguridad en la prisión en la que estaba recluido desde su detención en febrero de 2014. México, Estados Unidos, Honduras, El Salvador y Guatemala ponen en alerta sus fronteras ante la posibilidad de que el narcotraficante las pueda cruzar.


14 de Julio: En Viena, Austria, Estados Unidos e Irán, y otras seis potencias internacionales, sellan un pacto nuclear mediante el cual se frena el acceso iraní a la bomba atómica a cambio de levantar las sanciones económicas que pesan sobre el país asiático. También se acaba con 35 años de enfrentamiento entre ambos países, tras la ocupación en 1979 de la embajada estadounidense en Teherán.

16 de Julio: Casi 70 años después del término de la Segunda Guerra Mundial, Japón renuncia a su política pacifista, reformando su constitución, esto también con fuertes manifestaciones en contra de la reforma.


20 de Julio: Cuba y Estados Unidos restablecen oficialmente sus relaciones diplomáticas canceladas en 1961, con la apertura de las embajadas. Un atentado terrorista en Turquía deja 32 muertos y 105 heridos. La banda terrorista Estado Islámico se adjudica la responsabilidad del ataque.

30 de Julio: en Jerusalén, en una marcha de orgullo gay, un fanático religioso apuñala a 12 personas. Había salido en libertad tres semanas antes, tras haber pasado 10 años en prisión por haber apuñalado a tres personas en la marcha gay de 2005.


12 de Agosto: En la ciudad de Tianjin, China, se produce una fuerte explosión en un puerto de contenedores de la ciudad. La explosión ha dejado un saldo de al menos 13 muertos y más de 50 heridos.


14 de Agosto: En La Habana (Cuba) se reinaugura la embajada de Estados Unidos.


19 de Agosto: El Gobierno venezolano cierra la frontera entre San Antonio del Táchira (Venezuela) y Cúcuta (Colombia).


3 de Septiembre: Se ordena el arresto del presidente de Guatemala, Otto Pérez Molina, por asociación ilícita y casos de corrupción.


6 de Septiembre: En Guatemala se celebran elecciones generales.

13 de Septiembre: En la gobernación de Guiza, en el desierto occidental de Egipto, el ejército egipcio ataca vehículos que transportaban a turistas mexicanos y egipcios. Al menos 12 personas murieron y 10 más resultaron heridas. * La opinión pública se indigna por el asesinato de sus ciudadanos a manos de un ejército extranjero, ya que sólo se aprueba si es a manos del propio ejército mexicano. * sarcasm mode off.


16 de Septiembre: A 46 km de Coquimbo (en Chile) se produce un sismo de 8,4 en la escala magnitud momento . Fallecen 15 personas y 20 más resultaron heridas.


17 de Septiembre: A casi un año de la caída del gobierno dictatorial de Blaise Compaoré en Burkina Faso se produce un nuevo golpe de Estado donde el militar Gilbert Diendéré se proclama presidente al derrocar a Michel Kafando. Esto ocurre pocas semanas antes de que se celebraran elecciones democráticas libres.


30 de Septiembre: En el marco de la Guerra Civil Siria, Rusia empieza a atacar a la organización terrorista Estado Islámico y a los rebeldes sirios en apoyo al régimen de Bashar Al Assad. El secretario de Estado estadounidense, John Kerry, afirma que ahora Estados Unidos ya no buscará la renuncia inmediata presidente Al Assad.


1 de Octubre: En el municipio Santa Catarina Pinula, a 6 km al este del aeropuerto La Aurora (en el sur de la ciudad de Guatemala), a las 22:00 un alud aplasta 125 casas, dejando unos 263 muertos y 374 desaparecidos.


13 de Octubre: Rebeldes sirios atacan la embajada de Rusia en Damasco, con 2 proyectiles lanzados desde los alrededores de la capital siria, mientras había una multitud aglomerada que apoyaba la intervención militar rusa en la Guerra Civil en curso.


26 de Octubre: Terremoto de 7.5 sacude Afganistán, Pakistán e India.


12 de Noviembre: En Beirut (Líbano) dos terroristas suicidas del grupo Estado Islámico detonan sendas bombas (Bombardeos en Beirut de 2015), con un saldo de 43 muertos y 230 heridos. * Nota que pasó mayormente desapercibida.


13 de Noviembre: En París (Francia) 153 personas resultan muertas y centenares heridas en una cadena de atentados terroristas yihadistas que tienen lugar en la inmediaciones del Estadio de Francia donde se está disputado un partido entre la selección francesa y la alemana. En la sala de conciertos Bataclan son asesinadas más de 80 personas tras haber sido tomadas como rehenes; 18 más en el boulevard de Charonne; 14 en la rue Alibert; 5 en la rue de Fontaine-au-roi; 2 en el Estadio de Francia y una en el boulevard Voltaire.


22 de Noviembre: En Argentina, Mauricio Macri es electo presidente al vencer (con el 51 %) a Daniel Scioli en segunda vuelta.


6 de Diciembre: En las elecciones celebradas en Venezuela con una alta participación, gana de manera clara la oposición con la Mesa de la Unidad Democrática (MUD). El presidente Maduro reconoce la derrota y afirma que "ha ganado la Constitución y la democracia". Al final del recuento obtendrán 112 diputados de un total de 167. Al tener 2/3 de la Cámara, la MUD podrá hacer reformas de gran calado.


24 de Noviembre: Turquía derriba un avión de combate ruso en la región de Hatay's Yaladag. Ankara argumentó que se violó en repetidas ocasiones su espacio aéreo pese a las advertencias, mientras que Moscú lo negó a la vez en que el presidente Vladimir Putin calificó el acto como “una puñalada en la espalda que tendrá serias consecuencias para la relación de Rusia con Turquía”.


2 de Diciembre: En San Bernardino (California) tiene lugar un tiroteo donde fallecen 14 personas y 21 son heridas. La organización terrorista Estado Islámico se atribuyó el ataque.


3 de Diciembre: En un autobús que lo llevaba de gira por Minnesota con su banda Wildabouts, es encontrado muerto el cantante Scott Weiland, quien fuera líder de los Stone Temple Pilots y de Velvet Revólver, y una de las caras más visibles del Grunge de los 90’s.


12 de Diciembre: Con la presencia de delegaciones de 195 países, se cierra en París (Francia) la Cumbre del Clima, inaugurada con mucho boato el pasado 30 de noviembre con la asistencia de 150 jefes de Estado o de gobierno, precisamente en el año más cálido desde que se toman registros de temperatura global. En el día de hoy se llega a un acuerdo internacional para la reducción de los gases de efecto invernadero, incluidas las grandes potencias. El objetivo principal es limitar el aumento de la temperatura global en menos de 2º C, con respecto a los niveles preindustriales, al finalizar este siglo. El acuerdo, claramente insuficiente, establece que, lo antes posible, todos los países deberán alcanzar un techo en las emisiones de gases de efecto invernadero.


18 de Diciembre: se estrena la película Star Wars: Episodio VII - El despertar de la Fuerza. Después de ser anunciada el 30 de octubre de 2012, cuando Disney compró Lucasfilm por 4.5 millones de dólares y anunció la realización de una tercera trilogía de Star Wars conformada por los episodios VII, VIII y IX empezando en 2015 con el episodio VII.


20 de Diciembre: En España se celebran elecciones generales, en las que se constata el fin del bipartidismo, a pesar de una Ley Electoral que lo favorece, y el inicio del cambio, con la irrupción en el Parlamento de nuevos partidos. El Partido Popular obtiene 123 diputados, aunque le será difícil formar gobierno. El PSOE 90. PODEMOS, nuevo partido surgido del 15M, obtiene 69 diputados. CIUDADANOS, partido también joven, saca 40 diputados y luego el resto de fuerzas políticas hasta alcanzar los 350 escaños que conforman la Cámara Baja. El Parlamento queda muy fragmentado y se deberá negociar mucho para llegar a acuerdos de gobierno, aunque una reforma constitucional, que es necesaria, estará prácticamente imposibilitada. Cuatro meses después no se llegará a un acuerdo y se convocarán nuevos comicios para el 20 de junio de 2016.


21 de Diciembre: En Las Vegas (Estados Unidos) se lleva a cabo el concurso Miss Universo 2015. El presentador del concurso, Steve Harvey, inicialmente anuncia que la ganadora del concurso es la colombiana Ariadna Gutiérrez; después reconoce su error y anuncia que la verdadera ganadora es la filipina Pia Wurtzbach; obteniendo la tercer corona para su país. *Uuuups!


28 de Diciembre: Muere en Los Ángeles California, el icónico bajista Ian Fraser “Lemmy” Kilmister, nó solo un símbolo de Motorhead, sino del Rock.


Musicalmente, Extra, extra!!! BLUR VOLVIÓ!!!! Bueno, para mí fue el evento musical más significativo del año. Independiente de que The Magic Whip no está precisamente entre sus mejores discos, con muchos temas lentos o medio tiempo, y melodías no tan fuertes como acostumbraban en los 90’s, la formación original sorprendió a propios y extraños con una reunión que ya nadie se esperaba, sobre todo tras el buen disco de Albarn el año anterior. Lo mejor es que los pude ver en vivo! Esto me da pie a otra reflexión. Ya hace tiempo que es una constante, pero en 2015 me pude emocionar más por regresos y lanzamientos de viejas bandas que de las nuevas. Y no es que falte calidad. Esa oleada de bandas Indie-Indie como Wilco, Of Monsters And Men, Wolf Alice, Sufjan Stevens, Tame Impala, Mumford & Sons, y Grimes, por mencionar algunos, lanzaron buenos discos. Pero, no sé. Parece que ni haciendo su mejor esfuerzo logran superar a bandas como Blur a medio gas, o grupos que ni siquiera lanzaron discos durante el 2015, como Radiohead, AC/DC, Pearl Jam o Metallica, pero que se mantienen en vivo. No se puede decir que su música sea mala, pero después de oírla, qué dice? A dónde va? Porqué se difumina tan rápido? Hay buenas bandas, sin duda, pero ya no hay ningún nuevo Rock Star… ninguno! Tampoco himnos. Esto se hace cada vez más evidente. Las bandas nuevas o recientes van dirigidas a nichos cada vez más específicos. Quizá triunfen en festivales o vendan algunas miles de descargas, sean líderes en streaming en varias plataformas, pero difícilmente dejan huella. El Rock ha muerto? Es decir, lo vengo pregonando desde hace tiempo, pero cada vez me aterra pensar que sea cierto y no haya remedio. Las bandas viejas (sí, las de los 90’s, e incluso Franz Ferdinand ya se puede considerar banda vieja), siguen dando la cara, mal que bien. Pero que va a pasar en 10 o 15 años, cuando estas “bandas viejas” ya no den para más, o de plano mueran? Y hablando de, el 2015 se llevó algunas grandes figuras, como B.B. King, Chris Squire, Lemmy y Scott Weiland, representantes de distintas generaciones que cimbraron el Rock en diferentes géneros. No parece haber reemplazo para ninguno. Las grandes decepciones fueron Muse, que parecían recomponer camino con el disco anterior, y Coldplay, que ya no es sorpresa y debería de dejar de siquiera considerarlo para estas listas. Y si en el Rock Internacional hay una sequía mortal, en el Rock en Español el escenario no es mejor. Básicamente no hay nada. Bandas que antes fueran referentes como Cuca, incluso dan muestras de agotamiento e incapacidad para reinventarse. Cabe resaltar el disco Hasta La Raíz, de Natalia Lafourcade. No es Rock, sino un pop muy fino, con letras monumentales sobre una devastadora ruptura y sus filosóficas consecuencias. No soy fan de Natalia, y nunca consideré sus trabajos previos siquiera para mencionarlos, siendo demasiado tendientes a un pop olvidable. Pero este trabajo es altamente recomendable, profundo, y con una musicalización exquisita. Es acaso mi disco favorito del 2015, por encima de cualquier banda anglosajona… Sí, incluso del sorprendente Wilco, del inusitado regreso de Sleater-Kinney, del bueno pero más-de-lo-mismo de Of Monsters And Men, del esperadísimo segundo disco de los Alabama Shakes que me dejaron con un sabor agridulce con su viraje del Blues al Soul, y de la sorpresiva mezcla entre Franz Ferdinand y Sparks que resultó ser el FSS. Este año me abstengo de colocar singles.



Lo que el 2015 Nos Dejó:


Wilco - Star Wars


Sleater-Kinney - No Cities to Love


Of Monsters And Men- Beneath The Skin


Blur - The Magic Whip


Franz Ferdinand & Sparks - FSS


Wolf Alice - My love is Cool


Sufjan Stevens - Carrie and Lowell


Tame Impala - Currents


Foals- What Went Down


Grimes - Art Angels


Alabama Shakes- Sound and Color


Keith Richards- Crosseyed Heart


Royal Thunder - Crooked Doors


Mumford & Sons- Wilder Mind


Paul Weller -Saturn’s Pattern


Baroness - Purple


The Strypes - Little Victories


Bob Dylan - Shadows in the Night


Local H - Hey Killer


Swans - The Gate


Graveyard - Innocence & Decadence


Shinedown - Threat to Survival


Halestorm - Into the Wild Life


Dead Sara - Pleasure to Meet You


Faith No More - Sol Invictus


Neil Young - Monsanto


David Gilmour - Rattle That Lock


Ghost - Meliora


Noel Gallagher (High Flying Birds)- Chasing Yesterday


David Coverdale - The Purple Album


Björk - Vulnicura


Florence & The Machine - How Big, How Blue, How Beautiful


Gary Clark Jr.- The Story of Sonny Boy Slim


The Arcs - Yours, Dreamily


Clutch- Psychic Warfare


Failure - The Heart is a Monster


Motörhead - Bad Magic


Iron Maiden - The Book of Souls


Alice Cooper - Hollywood Vampires


Aerosmith- Up In Smoke


Scorpions - Return to Forever


Coldplay - Head Full of Dreams


Muse - Drones



Español:


Natalia Lafourcade- Hasta La Raiz


Cuca - La Venganza de Cucamonga


Enrique Bunbury - MTV Unplugged


Silvio Rodríguez - Amoríos


Mon Laferte - Mon Laferte Vol. 1


Astro - Chicos de la luz


Bomba Estéreo - Amanecer




Por Corvan

SOMETHING ELSE (The Kinks, 1967)

Artista: The Kinks (C)

Fecha de Grabación: Abr-Jul de 1967

Fecha de Lanzamiento: 15 de Septiembre de 1967, UK

Discográfica: Pye

Productor: Shel Talmy & Ray Davies

Calificación: 9

Era: La Psicodelia (1966-1969)

Subgénero: La Psicodelia

Mejor Canción: Waterloo Sunset


Canciones: 1) David Watts; 2) Death Of A Clown; 3) Two Sisters; 4) No Return; 5) Harry Rag; 6) Tin Soldier Man; 7) Situation Vacant; 8) Love Me Till The Sun Shines; 9) Lazy Old Sun; 10) Afternoon Tea; 11) Funny Face; 12) End Of The Season; 13) Waterloo Sunset.


Los Kinks nombrarían este disco con un simple “Algo Más”, como si realmente fueran un montón de canciones sin gran valor. La realidad es que los Davies y compañía seguían en una tremenda curva ascendente, y este disco supera al Face to Face, con melodías más fuertes, y aún mejores letras.

La banda no perdió tiempo y volvieron al estudio cuando el Face to Face aún no acababa de salir a los estantes. En estas sesiones iniciales de 1966, aún con la producción de Talmy, surgieron “End of the Season” y “Village Green”, y Ray comenzó a coquetear con la idea de un proyecto más grande, lo que a la larga sería el The Kinks Are the Village Green Preservation Society, pero se dio cuenta de que necesitaba más tiempo, y sobre todo, más conocimiento del estudio. Aunque tuvieron algunos avances a fines del ’66, el grueso del disco se grabaría en la primavera del ’67. Como hijo del Verano del Amor que es, tiene algunas influencias psicodélicas, que ni los Davies con sus raíces en la tradición británica pudieron evitar, pero que le sientan bastante bien, sin ser demasiado exageradas. Hay que resaltar que por esas fechas, las bandas se influenciaban unas a otras, y sin duda hay aquí resquicios del Pet Sounds, del Revolver, que a su vez, debieron tener influencia de discos previos de los Kinks.


Esta sería la última colaboración de Shel Talmy como productor. Talmy ya había perdido a The Who, y al parecer no se creía demasiado competente para los arreglos que Ray pretendía, por lo que les fue dando más libertad. Por estas fechas comenzó a prestarle mucha más atención a una banda australiana radicada en Inglaterra, llamada Easybeats, en la que tocaban Harry Vanda y George Young, quien tenía un par de hermanos llamados Malcolm y Angus… pero esa es otra historia. El caso es que Ray Davies estaba aterrado ante la enorme responsabilidad de producir un disco. Sin embargo, logra un gran sonido, con las guitarras acústicas bien definidas, la batería de Avory sin aplastar los demás instrumentos, un buen uso de efectos, pianos, las voces en stéreo... Tenemos por primera vez coros femeninos en un disco de The Kinks (aportados por Rasa, esposa de Ray), y en “Waterloo” usarían una técnica de eco en estudio que sonaba innovadora, aunque realmente era algo que ya existía, pero estaba en desuso desde los 50’s. Steve Marriot de los Small Faces iría corriendo a preguntarle a Ray cómo diablos lo habían logrado en cuanto la escuchó.


El disco tiene críticas en general muy buenas. Starostin dice que es muy aburrido y con mood similar. Bueno, el Pet Sounds también tiene una atmósfera muy similar, no? Ciertamente los Kinks se habían dado cuenta que no iban a poder seguir compitiéndole en el terreno de los rockers a The Who y los Stones, por lo que se habían metido de lleno al Brit Pop que habían ya dominado con el Face to Face. El Something Else es pues una continuación, o mejor dicho, un perfeccionamiento de ese estilo. Es cierto, el disco tiene de inicio a fin una especie de bruma británica dominical, nostálgica, pero alegre a la vez. Pero no por ello puede ser aburrido, teniendo estilos variados que recorren Bossa Nova, Rag Time, ritmos marciales-cómicos, Music Hall, Psicodelia, baladas, pop-rockers, y la canción-más-bonita-del-mundo… Y vaya que logra sacarle provecho al piano de Nicky Hopkins! Además aquí tenemos a un Ray Davies alcanzando un gran nivel como compositor, y sobre todo, como letrista. Las canciones están llenas de humor negro, cinismo, ironía, pero a la vez logra contar historias completas y desarrollar personajes en apenas unas líneas, y eso es una verdadera rareza en el mundo del rock. Ray logra retratar muy bien el ambiente que se vivía en Inglaterra en 1966-1967, desde una perspectiva no hippie. El álbum tiene esa bruma inglesa, pero a la vez el colorido y alegría de la época. Alguna vez leí que los Kinks en esta época no eran demasiado ingleses por esta época, sino demasiado londinenses, y es cierto. Este disco es el retrato perfecto del Swingin’ London, ése que vivía sus últimos momentos de gloria antes de pasarle la estafeta a San Francisco.


Dave también aporta con 3 canciones, y quizá “Death Of A Clown” sea el mejor tema que escribió. El disco, irónicamente, fracasaría en ventas. Esto se atribuye a que, lanzado en pleno Verano del Amor, suena muy tradicional para lo que las hordas hippies deseaban. Ya saben, Doors, Jefferson’s Airplane, Hendrix, algo que te ayude a trippear; para cuando salió, realmente el Swingin’ London ya estaba en decadencia y Haight-Ashbury había tomado su lugar como foco global. Segundo, porque tuvieron la grandiosa idea de lanzar como adelanto los singles “Death Of A Clown” y “Waterloo Sunset”, las mejores canciones del disco. Si la gente ya tenía lo mejor, para qué comprar todo el álbum? Y tercero, porque a Pye se le ocurrió lanzar casi al mismo tiempo un compilatorio de sus grandes éxitos de rockanrolitos de los Kinks. Genius! Afortunadamente a Ray esto le importó un carajo, y habiéndole encontrado el gusto al estudio, renunciaría a las giras para meterse de lleno a su siguiente proyecto, pero esa es ya otra historia…



El disco arranca con “David Watts”, ese divertido tema de los “fa-fafafa-fa-fa’s”, que de inicio, es un tremendo gancho que se te puede pegar a la cabeza por semanas. No es precisamente un rocker, sino una canción de piano con un tempo acelerado. La melodía de Ray es irresistible, sobre todo en los estribillos, y la letra es un ejemplo del cinismo de Ray, que siempre esconde más de lo que parece. Habla desde la perspectiva de un tipo en la escuela, un chico muy promedio que “Can not tell water from champagne”, y ve con ojos de admiración a otro chico llamado “David Watts”. A través de la canción nos muestra a este personaje perfecto, lleno de dinero, capitán del equipo de la escuela, al que todas las chicas tratan de seducir sin éxito. “He is so gay and fancy free”, dice en otro verso. Al minuto 2, queda sólo el bajo de Pete Quaife sosteniendo la rola, para que Ray entre con esos “Wish I could be like…Wish I could BEEE like…” y de a poco se vaya integrando el piano, los “Fa-fa-fa´s” y el resto de los instrumentos. Algunos críticos dirían que era una canción de envidia, o una crítica a la división de clases inglesa. A fin de cuentas, todos tenemos un David Watts, y a la vez, somos un David Watts para alguien... Ray diría después que David Watts era, de hecho, una persona real, un promotor de conciertos homosexual, que tenía un crush con su hermano Dave. Así pues, la canción es una enorme sátira, y los versos mencionados y la imposibilidad de las chicas para conquistarlo cobran un nuevo sentido. Un maldito genio!


Sigue “Death of a Clown”, una de las mejores canciones de Dave en toda la discografía de The Kinks. La canción abre con una espléndida y nostálgica intro de piano de Hopkins, que pinzó las cuerdas del instrumento para obtener ese efecto. Luego viene un cálido guitarreo y la excepcional melodía de Dave, que hace una gran interpretación, adolorida, desolada. La letra habla evidentemente sobre la decadencia de un payaso: “I'm drowning my sorrows in whisky and gin, The lion tamer's whip doesn't crack anymore”. Ray ayudaría a su hermano agregando los “La-la-la’s” que canta Rasa Davies, su esposa en esa espectral línea descendiente. Ray no pediría créditos por ese pequeño aporte. El tema es nostálgico, y detalles como las cuerdas metálicas de la guitarra, el efecto inicial del piano, la etérea voz de Rasa, le dan un pequeño toque psicodélico. Algunos la interpretaron como un reflejo de la falsa felicidad que invadía a los jóvenes británicos. En realidad Dave la escribiría después de una fiesta en la que se sentía como un payaso que tenía que entretener y repetir su rutina una y otra vez. La canción saldría como single a nombre de Dave, no de los Kinks, y fue un trancazo. Esto lo haría considerar lanzar su carrera solista, fuera de la sombra de su hermano, pero tras fracasar sus otros sencillos, se lo pensó mejor.


Continuamos con “Two Sisters”, con un clavicordio colosal de Nicky Hopkins. Por esas fechas grabarían también “Village Green”, también con Hopkins al clavicordio. Bueno. “Two Sisters” es el tema más corto del disco, con apenas poco más de dos minutos, pero da una cátedra de melodía y ganchos. Es un tema nostálgico, y la instrumentación aporta con ese sabor agridulce y lejano. Habla de dos hermanas, Sylvilla, que está soltera y se mira en el espejo, y Percilla, casada, con hijos, y que mira su reflejo en la lavadora o en las cacerolas donde les prepara huevos a sus hijos. Percilla está celosa de su hermana, de su vida libre, sus amigos. Un día se harta y decide mandar al diablo los platos sucios, las revistas de ama de casa y mandar a los niños con la niñera para ser libre de nuevo, pero luego ve a sus hijos y se da cuenta que está bien, que no tiene nada que envidiar, y sus celos terminan. De nuevo, un montón de teorías surgieron, pero la realidad es más simple: Ray hablaba de él y su hermano. Dave estaba soltero, era mucho menos introspectivo, más bien el alma de la fiesta, con muchos amigos, mientras que él se sentía atrapado. Pero al ver a su hijo, todo recobraba sentido. Y debo confesar, esta canción me llega, porque también me he sentido así… Independientemente de la fuerza emocional del tema (que es inherente), la instrumentación y melodía son monumentales.


“No Return” baja un poco el gran nivel con que había iniciado el disco. Es una Bossa Nova sencilla, corta, donde la cálida guitarra es la protagonista. La melodía no es tan fuerte como a las que nos tiene acostumbrados. Sin embargo refleja ese ambiente de flojera dominical, en la que uno no quiere hacer nada. Habla sobre lo triste que estaría si Rasa no se hubiera fijado en él: “I would walk up and down this lonely room, I would have friends, but be alone…” no creo que el que siga de “Two Sisters” sea coincidencia. La melodía mejora con el puente del final, pero sin ser mala, es de las más flojas del álbum.


Luego llega “Harry Rag”, un tema de ritmo marcado, con meticuloso trabajo de Avory en los platillos, sin ahogar el tema, acústico en esencia. Tenemos de nuevo esas melodías marca Davies, que además canta con una gran actitud. Chequen esos “AhhAAA!” antes de iniciar cada estrofa. Los estribillos son pegajosos como chicle, a pesar del bravo fraseo, y uno no puede evitar sumarse cuando todos cantan el título. La letra es nuevamente una oda al cinismo, hablando sobre las clases bajas, un tipo llamado Tom que a pesar de no tener dónde caer muerto, hace lo que sea para conseguir cigarros llamados Harry Rag: “Do anything just to get a harry rag, And he curses himself for the life he's led, And rolls himself a harry rag and puts himself to bed”. Por ahí hay otro par de líneas de antología: “Ah, bless you tax man, bless you all, You may take some but you never take it all”, donde le da su repasada al gobierno. Es un tema extraño, pero sincero. Se siente como si realmente fuera un himno folk de la clase obrera londinense, y Ray nunca aclaró si indirectamente hablaba de mariguana o no. Me encanta además el acento pronunciado con que canta. No será para incluír en recopilatorios, pero es otra de las canciones donde hay más de lo que aparenta.


“Tin Soldier Man” mantiene ese beat militar, esta vez aderezada con metales, que funcionan de gran manera. La tuba lleva un papel primordial. Sabían que fue el mismo Ray quien la tocó? De nuevo, la melodía es increíble, y en un descuido, te puedes encontrar no sólo cantándola, sino marchando como idiota. Y de nuevo ganchos como “Wickie wa-waddle doo” y los “pa-ba-pabaaa”. Aquí es más vago el mensaje. Habla simplemente de los soldados de la guardia real, esos que se quedan quietos todo el día y sólo se mueven para los cambios de guardia? O es una crítica al sistema militar británico? No lo sé. Lo cierto es que es otra de esas joyitas tan británicas, simples y encantadoras que McCartney intentaba sin llegar al mismo resultado.


Después está “Situation Vacant”, que mantiene la dinámica. Es uno de los mejores momentos instrumentales del disco, con una gran intro de piano y con otra elaborada batería, llevando un beat a la vez tranquilo y energético. El órgano eléctrico replicando la melodía de los estribillos es simplemente encantador, y hay algunos licks eléctricos de guitarra que ya hacían falta. La letra es divertidísima. Habla de una pareja, Suzy y Johnny, que viven felices, hasta que la madre de Suzy mete su cuchara con su ambición, y para mantenerla contenta, termina hasta renunciando a su trabajo de toda la vida, pensando en encontrar algo mejor rápido. Evidentemente no encuentra otro trabajo y queda en “Situation Vacant” sólo para darle gusto a la suegra. Al final la esposa lo deja porque ya no tienen ni para la renta, y se va con su madre, con con esto, finalmente, queda satisfecha.


El lado B del disco abre con “Love Me Till The Sun Shines”, de Dave. Un tema pop ligeramente más rockero y con más presencia de guitarras, y el bajeo de Quaife que por fin se escucha y lleva además un rol protagónico. Esto le da un aire algo oscuro y amenazante de inicio, al menos para los estándares de los Kinks. Dave la canta con su estilo más desgarbado, y el piano eléctrico vuelve a aparecer esporádicamente dando pinceladas a la ? & The Mysterians. La letra, bueno, Dave no es Ray y no va a salir con “Death of a Clown” siempre. Habla desde el punto de vista de un chico que le dice a una chica que puede hacer (o no hacer) lo que quiera, lo único que le pide es que lo ame hasta que el sol brille. Básicamente un One Night Stand. El tema no es malo, pero ciertamente, a pesar de la pegajosa melodía, al final termina siendo bastante repetitiva, sobrándole un minuto.


Enseguida tenemos “Lazy Old Sun”, que resume muy bien el ambiente de ensueño del disco, y que pudo ser un mejor título para el mismo. Lo cierto es que los Kinks suenan raros haciendo temas psicodélicos, pero este corte les queda bien, con esa guitarra haciendo slides, una melodía letárgica, letra que retrata el inicio del otoño inglés, coros angelicales en el puente, y esos metales, que añaden un toque majestuoso y brillante hacia el final. Los reflectores se los lleva Mick Avory, con un intrincado patrón de batería, que hace recordar a Ringo… en realidad, toda la atmósfera tiene ese aire neblinoso que poco después replicarían los Fab Four en el Magical Mystery Tour y los Stones en Their Satanic Majesties. Coincidencia?


“Afternoon Tea” mantiene esa atmósfera de un Londres otoñal, a media tarde. El bajeo saltarín lleva la canción alegremente, con un volumen inusitadamente alto, que lo ayuda a lucir (otro buen tino de producción!). La canción es simple, pero bien armada. Esos “Uhhh’s” susurrando antes de los estribillos son preciosos, y Dave hace buenos licks de guitarra, lo más cercano a un solo en el disco. Para el puente, el trombón replica la melodía “Ba-ba bábara-ba”. La letra es de las más simples de Ray, simplemente reflejando su gusto por el té de las 5 pm, como todo buen británico, aunque me pregunto si la Donna que menciona no esconde algún otro sentido. Simple, cierto, pero irresistiblemente encantadora.


“Funny Face” es el tercer tema de Dave, y el más flojo de los que aporta a este disco. Es también más guitarrero, aunque no llega a explotar. Las guitarras suenan crujientes y revientan con el piano. Pudiera pasar por un tema de los primeros discos, con un estribillo flojo, pero ese puente angelical la salva por completo. Además la letra es una total incógnita. Por momentos parece simplemente una canción de despedida y reproche, pero hacia el final aparecen estas líneas: “The doctors won't let me see her, But I can catch a glimpse through the doorway”. Esto me desconcierta. Entonces la “cara chistosa” y los “ojos como píldoras” son porque su amada tuvo un accidente y quedó desfigurada y está tratando de animarla? “Eyes don't smile, all they do is cry”, dice en los puentes antes de cada coro.


Sigue “End Of The Season”, con el canto de los pájaros que se difumina mientras el piano entra y Ray anuncia, con un tono que haría aplaudir a Ned Stark: “Winter time is coming, All the sky is grey, Summer birds aren't singing, Since you went away”. Tras esta dramática intro, inicia el tema en forma, con un aire de Chanson Francaise, lenta y elegante, melancólica. Ray canta con aires de crooner de los 50’s, mientras su esposa hace gélidos coros al fondo. La rola retrata muy bien esa atmósfera de finales de otoño. Los platillos y su timbre metálico dan un aire frío, y la voz principal suena distante, también gélida. Al final, los pájaros nuevamente trinan mientras se difumina la canción.


El Something Else cierra con la mejor canción del disco, y una de las más destacadas de toda la discografía de los Kinks. “Waterloo Sunset” debe ser seria candidata a la canción más hermosa del mundo. En serio. Desde esa entrada con la guitarra de Dave punteada de manera descendente nos damos cuenta que viene algo magnífico. Entra la guitarra de 12 cuerdas, y Dave hace ese riff característico, dulce, y melancólico, que se convierte en la melodía vocal. Las voces femeninas dan un aire invernal al fondo, intercalando “uhhhh lalás”. Dave sigue haciendo chisporrotear su guitarra con el tono exacto, dando pequeñas notas de optimismo, como últimas llamaradas de la chimenea. Ray hace una de sus mejores melodías ever, y eso ya es mucho decir. La letra muestra el lado introspectivo de Ray, hablando desde la perspectiva de un hombre que es feliz viendo a los demás vivir sus vidas. Ve a la gente en la estación de Waterloo, siempre apresurada, como moscas, hasta que encuentra a una pareja, Terry y Julie, que se encuentran en la estación cada viernes al atardecer, y parecen ajenos a todo, paseando por un puente sobre el Támesis. La canción es perfecta. Tiene ganchos por doquier, con una gran delicadeza y emotividad. Las armonías son celestiales, y hasta los “shalalás” están colocados estratégicamente, justo antes del puente “Every day I look at the world from my window”. Y el piano al final, para dar más intensidad al cierre, con overdubs vocales para una escala ascendente que se va en fade out. Increíble que dure apenas poco más de 3 minutos. Ray logra retratar a la vez la soledad del narrador y el romance de la pareja que ve desde la ventana del tren. Es melancólica y llena de esperanza a la vez. Muy británica, pero igualmente universal. Más tarde diría que la pareja que retrata es su hermana menor y su novio. Cuando tenía 13 años, estuvo un tiempo en el hospital St. Thomas, tras una traqueotomía, y las enfermeras lo llevaban en su silla de ruedas a la ventana, desde donde podía ver el río. La canción se llamaba originalmente “Liverpool Sunset”, pero se dio cuenta que Waterloo sonaba más londinense y ajustó el título, atinadamente, a mi gusto. Una verdadera joya.



En fin, un disco preciosista, donde los Kinks refinan el Brit Pop que habían comenzado a dominar el año anterior. Con “Sunny Afternoon” y “Waterloo Sunset”, los Kinks completarían la transición de una banda de Garage Rock a una de las más influyentes de la historia, entrando en su época de oro. Aquí hay influencias de las bandas británicas de la época, pero a su vez las influenciarían de manera recíproca en los álbums que estaban por salir. Además, sin ser un álbum de Art Rock, ni mucho menos Rock Sinfónico, creo que también influiría en bandas como Procol Harum y Moody Blues para tratar de ir hacia nuevos sonidos, psicodélicos, pero lejanos del Rock Ácido de San Francisco. Finalmente, y es algo qué celebrar, aquí también completarían la transición de una banda de sencillos, a una que le importaba un comino las canciones, sino el álbum completo. Ray perdería el miedo al estudio, y eso sería crucial para lo que aún estaba por venir.



Por Corvan


PIECE OF MIND (Iron Maiden, 1983)

Artista: Iron Maiden (C+)


Fecha de Grabación: Enero – Marzo de 1983


Fecha de Lanzamiento: 16 de mayo de 1983


Discográfica: EMI


Productor: Martin Birch


Calificación: 8.5

Subgénero: Heavy Metal


Mejor Canción: To Tame A Land y, por supuesto, The Trooper.


Canciones: 1) Where Eagles Dare; 2) Revelations; 3) Flight Of Icarus; 4) Die With Your Boots On; 5) The Trooper; 6) Still Life; 7) Quest For Fire; 8) Sun And Steel; 9) To Tame A Land





Estamos en 1983. Tras el paso de un huracán de la magnitud del The Number Of The Beast solo quedaba esperar que llegase la calma para evaluar las secuelas con suficiente perspectiva.

La primera y más obvia consecuencia es que, definitivamente, Iron Maiden dejó de ser aquella banda que crecía poco a poco tras cada concierto gracias, casi exclusivamente, al boca a boca. Habían iniciado su andadura con el heavy metal como base, más en la línea melódica de Rainbow o Uriah Heep que en la de la contundencia primaria de Judas Priest. Pero en sus canciones se perciben además evidentes influencias del punk y del rock. Pero todo se descontroló tras la marcha de Di Anno y la llegada de Dickinson. La salida de Di Anno supuso la eliminación de la imperfección como ingrediente. Se eliminó de raiz todo vestigio del punk. La Doncella perdió en garra lo que ganó en épica y así, casi de la noche a la mañana Iron Maiden había pasado de banda underground en auge a multinacional con guitarras. El marketing y el merchandising pasó a tener tanta importancia como la propia música. En la paisaje inglés abundaban más las camisetas de Eddie que las setas. Me imagino que le papel de Eddie como icono fue un gran alivio para los miembros de la banda. No todos están dispuestos a vestirse con uniforme colegial con 20, 30 o 60 años... o a maquillarse de modo extravagante, ataviarse de lentejuelas, hacer equilibrios sobre botas de plataforma y estirar la lengua hasta que llegue al ombligo.


El caso es que el día a día de la banda se llenó de estadios abarrotados, ruedas de prensa, sesiones fotográficas, portadas de revistas y una gran lupa sobre todo lo que hacían y decían. Esto no gusta a todo el mundo y a Clive Burr esta situación le dio vértigo y decidió bajarse del barco (o del Ed Force One si me permiten el anacronismo). Y es así, ya con un nuevo disco a punto de entrar en el horno, que ingresa Nicko McBrain reuniéndose por fin la considerada formación clásica de Iron Maiden. A modo de anécdota, Nicko ya había sustitudo a Burr un par de años atrás durante un concierto en Bélgica, con el rostro oculto tras una careta de Eddie.


Inevitablemente el nuevo disco generaba una inusitada expectación, sobre todo si tenemos en cuenta de que estamos hablando de un álbum de heavy metal. ¿Apostarían por repetir la fórmula del éxito o una vez alcanzada la cima se buscaría una evolución? Bueno, ahora la respuesta nos resulta obvia: Maiden es una banda de pocos cambios en cuanto a su estilo, más allá por los forzados por las circunstancias. Así que no es una sorpresa que el Piece Of Mind fuese una continuación del Number OT Beast. Y a pesar de que algunos críticos lo señalen por estancamiento y que incluso es todavía más melódico y menos rockero que su predesesor (y no digamos ya respeto al posterior Powerslave), en general las valoraciones fueron muy buenas y se ganó rápidamente el estatus de clásico del género y es considerado un claro ejemplo del tremendo nivel de Maiden en el periodo que abarca desde el Number OT Beast hasta el Seventh Son.


Musicalmente creo que el Piece Of Mind está un paso por detrás y que no resulta tan inmediato a la primera escucha, sobre todo porque no acumula tanto himno absoluto. Siii, lo sé, aquí está The Trooper e incluso podríamos considerar Flight Of Icarus y Where Eagles Dare pero nada (numéricamente) comparable al Number OT Beast, un álbum que había atraído a mucho nuevo seguidor no-metalero y ya saben lo que esto conlleva y por qué. En el '91 Metallica y Guns N' Roses también tuvieron tuvieron su ración de primitivo hipsterismo cuando los fans más fieles se sintieron traicionados cuando vieron como una multitud intrusa les arrebataba la exclusividad de la banda. La respuesta de Maiden a las críticas por su pérdida de potencia en favor de melodías pegadizas y complacientes llegaría más tarde, con Powerslave, pero esa ya es otra historia. Aquí todavia no habián acabado de contar los billetes.





El cuarto long play de la Doncella inicia con Where Eagles Dare y uno no puede evitar encontrarle cierta intencionalidad en que abra el fuego una rola en la que Nicko McBrain se luce con una espectacular línea de batería, muy técnica y muy exigente, sobre todo considerando que McBrain se niega a usar el doble bombo. 20 años habrían de pasar para que recurriera por primera y única vez al doble bombo en una canción, cuestión de principios. Pues bien, Where Eagles Dare abre con una ráfaga de batería. Las guitarras sueltan su riff a base de power chords pero en ningún momento están ni cerca de robarle el protagonismo a un Nicko en modo Dios completamente desbocado. Bruce también ralla a gran nivel aunque su participación es bastante corta pues la parte central de la rola es un colosal bloque instrumental de tres minutos y medio (súmenle medio minuto de intro y otro medio de coda final). Durante la larguísima parte instrumental las guitarras van ganando algo de delay dando una mareante sensación de altura. Todo los instrumentos tocan a una velocidad endiablada guiados por esa percusión demoledora y por momentos tocan a ráfagas simulando metralletas aunque el efecto no llega a tener el impacto del One de Metallica.



Revelations llega imponente intercalando un riff potente con melodías mas preciosistas con un aire un tanto barrocas. Quizás la melodía quede un poco forzada y Bruce tenga que sobreactuar en exceso pero en general la rola funciona bastante bien. Aunque no acaba de encajar del todo en el cliché, perfectamente la podríamos encasillar como power ballad. Realmente no hay un crescendo en la intensidad si no un cambio de ritmo repentino con el que la canción acelera al poco de entrar en los pasaje instrumentales para luego volver a ralentizarse para que Bruce retome su melodía. Quizás debiera pintarla de rojo...



Básicamente Flight Of Icarus consiste en un estribillo memorable de los que tumban estadios enteros. El resto de la canción es un relleno aceptable que se sostiene en el bajeo a ritmo de galope de Harris y que prepara el terreno para que toda la banda a coro entone ese legendario y chicloso


FLY!! on your way... like an eagle!!
Fly as high... aaas the sun!!
On your waaay... like an eagle!!
FLY!! and touch... the sun!!


Es cierto que para quien haya acudido a un concierto de Maiden la rola pierde bastante en esta versión en estudio, sin el tremendo feedback que genera en directo. Pero, aún así, el estribillo es épico a más no poder y es imposible no dejarse contagiar



Die With Your Boots On baja el nivel. Musicalmente es bastante mas floja y plana que los anteriores tracks aunque no podemos decir que sea mala del todo. Ni mucho menos. Pero el caso es que la letra se hace insufrible con todos esos if you're gonna die y derivados del estribillo y todos esos no point asking del puente. Aquí Dickinson se hace realmente insufrible.



El lado B del disco inicia de modo insuperable con The Trooper, un clásico entre los clásicos e imprescindible en cualquier concierto de Maiden. Arranca arrollador con un potente riff descendente que se repite hasta desembocar en el incisivo y supesónico riff principal que será la base de la canción entera. Un pasaje obligatorio para los guitarristas metaleros. Dickinson entona con una rabia sorprendente, sacando de debajo de las piedras esa actitud que no se le suponía. En los conciertos sale a escena con una casaca roja enarbolando una bandera británica lo que en su día le costó los abucheos del público argentino. Como habitualmente ocurre, Adrian ataca el primer solo y Murray se ocupa del segundo. El bajo de Harris galopa más salvaje que nunca personificando esa Carga de la Caballería ligera en la que se inspiró para componer esta joya. Las letras de Maiden no son especialmente brillantes pero sus continuas referencias literarias le dan un cierto aura de respetabilidad que no tienen, por ejemplo, las idioteces con las que lo petan los Kiss o los Twisted Sister (por ejemplo) por esa época. Posiblente sea el tema más conocido de la banda y la portada de su single con Eddie empuñando la Union Jack sobre una pila de cadáveres sea la más icónica y la más vendida como camiseta. Pues bien, su fama está más que justificada.




Still Life inicia con una broma en forma de mensaje oculto dirigido hacia aquellos que por todas partes veían pruebas de la relación entre rock y satanismo. Escuchado al revés, una voz burlona dice What ho said the t'ing with the three 'bonce', do not meddle with things you don't understand. Luego la canción no es tan brillante como la gracieta y en realidad supone el inicio de un bache en el disco. No empieza mal, con una guitarra dibujando un solo lento e intenso mientras la otra le hace un acompañamiento de lo más minimalista. Luego entra Dickinson sustituyendo a la guitarra solista en un tono tan bajo y calmado que es una novedad en él hasta que finalmente la rola revienta... pero no es una explosión memorable y deja un regusto de insatisfacción que se acrecienta con un estribillo insustancial que tampoco cumple las expectativas. Por cierto al segundo paso por el estribillo la vos de Bruce se distorsiona con un efecto fantasmagórico entonando ese (Nightmares!) will give me peace of mind que, juego de palabras por medio, da título al disco. Si bien Still Life no es mala, se alarga demasiado y está muy por debajo del nivel acostumbrado.



Quest For Fire, basada en la célebre La Guerre Du Feu, es igual de insustancial. El registro y la sobreactuación de Bruce y un estribillo bastante pegadizo la hacen más disfrutable pero no logran limpiarle a la rola esa fastidiosa etiqueta de relleno grosero ni al disco esa sensación de haberse cerrado con prisas y pocas ideas.



Y con Sun And Steel ya hay que tirar de paciencia para no volver a empuñar el lápiz azul aunque sea por acumulación y aburrimiento. Tema más veloz pero muy monocorde que abusa de patrones ya muy trillados y de la repetición hasta el hartazgo de un estribillo insulso. No hay melodía ni instrumentación ni gancho alguno al que agarrarse en esta rola sobre el camino del samurai.



Afortunadamente el cierre del disco corre a cargo de To Tame A Land. Para el final dejaron la canción más creativa del disco, la que para mi es la joya escondida en el Piece Of Mind. Aunque siendo yo tan friki no puedo ser del todo imparcial ante semejante recorrido por el universo Dune. Inicia con una melodía exótica con McBrain haciendo tintinear los platillos. Poco antes de llegar al minuto, sin previo aviso, revienta el pesadísimo riff principal que mantiene ese aroma a Oriente Próximo. Bruce Dickinson hace de Bruce Dickinson y le da a la rola una sobredosis de intensidad. Al 2:50 la canción queda suspendida sobre un riff ascendente del bajo al que poco a poco se va reenganchando el resto de la banda. Dickinson retoma la canción e inicia un crescendo angustioso que desemboca en un pasaje instrumental descomunal, con otro riff potentísimo y una serie de requintos pateatraseros con toda esa rabia y ese punch que se habían echado en falta en las anteriores canciones. Y en todo momento manteniendo ese toque árabe tan fascinante. Al 6:15 la rola se ralentiza hasta finalmente retomar el misticismo melódico de la introducción y poniendo un brillante cierre al vinilo.






Visto en su conjunto el Piece Of Mind es un disco irregular y de fuertes contrastes. Tienes tres rolas de una potencia arroladora como son Where Egles Dare, The Trooper y la sorprendente To Tame A Land. Sumémosle la ultrapegadiza Flight Of Icarus y rescatemos de la quema a Revelations. Lo que nos queda es un relleno cansino en el que pintamos de azul un título, como podrían haber sido dos o cuatro. Y aún así queda un regusto a gran clásico. Sé que es el disco favorito de una buena parte de los fans de la Doncella pero a mi me parece que empequeñece ante los gigantes que le rodean. Sinceramente, creo que The Number Of The Beast y Powerslave son dos tremendas bestias pardas con las que el Piece Of Mind no resiste la comparación. Cuestión de gustos, supongo.




por marlaior

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